Filmkritik: „The Wicker Man“ (1973)

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THE WICKER MAN

Story

 
 
 
Ein Polizist wird in ein schottisches Inseldorf geschickt, um nach einem vermissten Mädchen zu suchen.
 
 
 


 
 
 

THE WICKER MAN – Kritik

 
 
Was ist es doch immer wieder für eine Freude, einen bereits gesehenen und lieben gelernten Film empfehlen zu dürfen, unverblümt erneut einen Handkuss mit auf den Weg einer neuen Veröffentlichung zu geben, um die allerletzten Originaltonverweigerer nun auch endlich in den Genuß dieses Horrorklassikers kommen zu lassen. „The Wicker Man“ aus dem Jahre 1973 ist nämlich einer dieser seltenen Fälle, in denen man nicht nur seinerzeit überrascht und geschockt das Kino verlassen und diese Eindrücke Generationen lang in eigenen Werken verarbeitet hat, sondern in denen auch eine heutige Sichtung noch von vorne bis hinten einen Genuß darstellt.
 
 

„What’s the matter? Aren’t you hungry?“

 
 
Ob das an dem wunderbar unkonventionellen, x-mal kopierten aber selten erreichen Script liegt, das den Zuschauer sowie Protagonisten einen Großteil des Films lang gekonnt im Dunkeln tappen lässt, ohne dass die Faszination für die Insel und ihre Kultur, oder die Spannung je darunter leiden würde, an dem einmaligen Folk-Soundtrack mitsamt diverser Ohrwürmer und wunderbar kauzig-atmosphärischer Tracks, an dem motivierten Schauspiel des gesamten Casts inklusive eines eindrucksvoll trällernden Christopher Lees als Lord Summerisle, oder doch an einem der wohl einprägsamsten Enden der Filmgeschichte – es macht keinen Unterschied, der Wicker Man ist und bleibt eine ikonische Wucht mit ikonischen Bildern, bemerkenswerten Performances und einer essenziellen Demonstration der Genialität des Bösen.
 
 

„What religion can they possibly be learning, jumping over bonfires?“

 
 
Dass unser tugendtreuer, streng religiöser Protagonist damals wie heute für viele Zuschauer wenig Identifikationspotential bietet wird durch die von Anfang an aufgebaute Rätselspannung und Atmosphäre wettgemacht, die prächtigen Landschaften – und Körper – des Films brillieren im HD-Bild wie nie zuvor. Ist man durch vorherige Sichtungen bereits auf den eigentlichen Inhalt vorbereitet, so können Framing, Kamerafahrten, Setdesign, Kostüme, Soundtrack, Erotik und Dialogdetails – wie bei mir geschehen – immer noch für einen enormen Mehr- und Unterhaltungsfaktor sorgen, die diesen Kulthit erst zu dem Meisterwerk machen, als das er heutzutage zurecht gehandelt wird.
 
 

„Come. It is time to keep your appointment with the Wicker Man.“

 
 
Wer Robin Hardys Geniestreich knapp ein halbes Jahrhundert nach seiner Erstveröffentlichung immer nocht nicht gesehen hat, dem wird mit dieser neuen VÖ eine weitere Chance gegeben, in allen drei Schnittfassungen, erstmalig in deutscher Synchro – die bei aller guten Intention nur gegen die charakterstarken, im Akzent sprechenden Originalstimmen verlieren kann, dafür aber immerhin die zahlreichen Gesangs- und Musikeinlagen unangetastet lässt.
 
 
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Der „Wow“-Faktor einer wirklich die Grenzen auslotenden Produktion fehlt mir persönlich irgendwo für die 10/10, auch habe ich keine persönliche Vorgeschichte zu dem Film und werde aus Spoilergründen nicht einen Satz der simpel wirkenden Story weiter spoilen – doch was da ist, ist quasi perfekt und somit verdient sich diese Horrorperle allemal seine 9 Punkte.
 
 
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THE WICKER MAN – Fazit

 
 
 
9 Punkte Final
 
 
Zeitloser, kaltblütiger, hochatmosphärischer Folk-Horror-Klassiker, dessen Struktur das ganze Genre geprägt hat. Eigensinnig, charakterstark, skurill, schwarzhumorig, höchst musikalisch, spannend, erotisch und immer wieder sehenswert.
 
 


 
 
 

THE WICKER MAN – Zensur

 
 
 
„The Wicker Man“ hat in allen Filmfassungen (Final-Cut, Director´s Cut, Kinofassung) eine Freigabe ab 16 Jahren erhalten. Diese sind alle unzensiert.
 
 
 


 
 
 

THE WICKER MAN – Deutsche Blu-ray

 
 
 
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(c) Studiocanal / Arthaus (2 Blu-rays im KeepCase)

 
 
 

TECHNISCHE DATEN


Originaltitel: The Wicker Man; Großbritannien 1973

Genre: Horror, Mystery, Thriller

Ton: Deutsch DTS-HD MA 2.0 (Mono), Englisch DTS-HD MA 2.0 (Mono)

Untertitel: Deutsch

Bild: 1.85:1 (1080p) | @23,976 Hz

Laufzeit: ca. 282 Minuten

FSK: FSK16 (ungeschnittene Fassung)

Verpackung: 2 Blu-rays im Keepcase

Extras: Poster, Erstmalige neue deutsche Synchronisation für den Final Cut, Disc 1 Blu-ray Final Cut: Erstmalig neue deutsche Synchronisation, Die Verehrung des „Wicker Man“, Die Musik zu „The Wicker Man“, Interview mit Robin Hardy, Restaurationsvergleich, Video Essay von Prof. Dr. Marcus Stiglegger, Trailer, Disc 2 Blu-ray: Director´s Cut (OmU), Kinofassung (OmU)

Release-Termin: KeepCase: 07.04.2022

 
 

The Wicker Man [Blu-ray im KeepCase] ungeschnitten auf AMAZON kaufen

 
 


 
 
 

THE WICKER MAN – Trailer

 
 


 
 
 

Alexander Brunkhorst

(Rechte für Grafiken liegen bei Studiocanal / Arthaus)

 
 
 
Ähnche Filme:
 
Midsommar (2019)
 
Das Haus der lachenden Fenster (1976)
 

Filmkritik: „Schachnovelle“ (2021)

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SCHACHNOVELLE

Story

 
 
 
In dieser Literaturverfilmung nach Stefan Zweigs Novelle wird der Anwalt Josef Bartok im Hauptquartier der Gestapo gefangen gehalten, bis er bereit ist die Codes seiner Konten zu verraten.

 
 
 


 
 
 

SCHACHNOVELLE – Kritik

 
 
Von der 2019er-Musicalverfilmung „Ich war noch niemals in New York“ mit u.a. Uwe Ochsenknecht und Heike Makatsch, sowie seiner Winnetou-Trilogie abgesehen, dürfte der man den deutschen Regisseur Philipp Stölzl am ehesten durch seine mäßig angekommene Romanadaption „Der Medicus“ sowie das historische Drama „Nordwand“ kennen, in denen die Grundsteine für Stölzls Interessengebiete bereits gelegt wurden. Anno 2021 meldet er sich nun mit einer weiteren hochkarätig besetzten, deutschen Romanverfilmung zurück, die durch ihren historischen Kontext an Brisanz sowie Relevanz gewinnt.
 
 
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61 Jahre nach Gerd Oswalds erster Adaption von Stefan Zweigs bekanntestem Werk, damals noch mit Mario Adorf in der Rolle des ungarischen Schachmeisters Mirko Centowic, sind die Schreckensbilder marschierender Truppen und einer radikalisierten Bevölkerung leider wieder brandaktuell und auch das deutsche Kino hat sich vom Klischee der „biederen Geschichtsaufarbeitung“ der Zweitausender gewandelt hin zu originellen, jungen und erfrischenden Produktionen, die es oftmals locker mit der internationalen Konkurrenz aufnehmen können. In „Schachnovelle“ – oder „The Royal Game“, wie der Film international vermarktet wird – merkt man davon allerdings herzlich wenig.
 
 
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Zweigs Geschichte über den charmanten, wohlhabenden, intelektuellen, worgewandten sowie gerissenen, jüdischen Anwalt Dr. Josef Bartok, der 1938 Ziel der einrückenden Nazis und zur psychologischen Folter in die Isolationshaft verdammt wird, beginnt hier mit hastig geflüsterten Spielanweisungen, professionellem Sound, hunderten Statisten, einer langsam fahrenden Kamera und sehr hübschen, wenn auch durch CGI deutlich gekünstelten Einstellungen vom nächtlichen Hafen, sprich: Technisch stimmt von Sekunde eins an nahezu alles, was sich auch kaum noch ändern wird. Die routinierte, gelackte Inszenierung ist stets hochprofessionell, die Kostüme sind authentisch und der Soundtrack stimmig, gerade die erste Montagesequenz der eigentlichen Schachspiele ist zudem vorbildlich editiert und mitreißend, als wäre man als Zuschauer schon seit Stunden vor Ort.
 
 
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Auch hört das Lob keinesfalls beim Schauspiel auf, denn mehr noch als „kompetent“ oder „routiniert“ würde ich hier fast schon von einer oscarreifen Performance von Oliver Masucci reden, der durch Zurückhaltung und nuancierte Mimik zu jedem Zeitpunkt die Gefühlslage unseres gebeutelten Protagonisten zu vermitteln weiß, ohne den enormen Anforderungen an die Rolle je ungerecht zu werden. Ähnlich beeindruckend, wenn auch ein Stück weit weniger fordernd spielt Albrecht Schuch, der den widerlich überheblichen, gespielt-freundlichen, sardonisch-sadistischen Antagonisten mimt.
 
 
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Allerdings, wer nach den letzten zwei Absätzen auf das große „Aber“ wartet, der soll Recht bekommen: Denn was bringt die noch so hochwertigste Inszenierung, was das noch so überzeugendste Schauspiel, wenn Seele, Esprit, jegliche Anflüge von Originalität oder auch nur zeitgenössischer Inszenierungsbereitschaft völlig fehlen? Die Dialoge sind gerade zu Beginn schmalzig und aufgesetzt geschrieben, das Colorgrading wurde auf die Voreinstellung „Retro“ gestellt und geht damit mehr Richtung Netflix-Look als Richtung Realität, symbolisches oder visuelles Erzählen geht dem Film komplett ab. Und da hört es nicht auf, denn nach etwa einer Stunde dieser knapp zweistündigen, im späteren Verlauf durch einige deutlich vereinfachende, abändernde Details den Punkt der Novelle völlig verfehlenden Verfilmung weiß man auch ohne Kenntnis des Originals ziemlich eindeutig, worauf es wohl hinaus laufen wird – und von da an folgt dann auch leider keine Überraschung mehr.
 
 
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Stattdessen kann man je nach Gusto gelangweilt und frustriert abschalten, dass deutsche Biographien- oder Historienfilme ausschließlich für den Schulunterricht produziert werden, oder sich glücklich schätzen dass hier zumindest nicht in die Falle der unnötigen Zwangsmodernisierungen getappt wurde. Das inhaltlich größte Manko kann ich aus Spoilergründen leider nicht weiter benennen, dafür aber – wie der Film auch – immerhin weiter die polierte Oberfläche hervorheben, denn gerade das Set, in dem die Schachpartien selber sich abspielen, ist wirklich bewundernswert.
 
 


 
 
 

SCHACHNOVELLE – Fazit

 
 
 
6 Punkte Final
 
 
Eine weitere biedere, überlange deutsche Literaturverfilmung rund um den Zweiten Weltkrieg, die Herzen der ARD/ZDF-Zuschauer zu erobern, im Deutschunterricht des Landes zwangsgeguckt zu werden. Fantastisch gespielt und hochwertig inszeniert, aber genau so vorhersehbar und durchsichtig wie unterfordernd, zudem unklug vom Original abgeändert.
 
 


 
 
 

SCHACHNOVELLE – Zensur

 
 
 
„Schachnovelle“ ist in Deutschland ungeschnitten und frei ab 12 Jahren zu haben.
 
 
 


 
 
 

SCHACHNOVELLE – Deutsche Blu-ray

 
 
 
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(c) Arthaus | StudioCanal (Blu-ray im KeepCase)

 
 
 

TECHNISCHE DATEN


Originaltitel: Schachnovelle; Deutschland | Österreich 2021

Genre: Drama

Ton: Deutsch DTS-HD MA 5.1

Untertitel: Deutsch für Hörgeschädigte

Bild: 2.40:1 (1080p) | @24 Hz

Laufzeit: ca. 112 Minuten

FSK: FSK12 (ungeschnittene Fassung)

Verpackung: Blu-ray im Keepcase

Extras: 3 Featurettes, Making-of, Kinotrailer

Release-Termin: KeepCase: 10.03.2022

 

Schachnovelle [Blu-ray im KeepCase] ungeschnitten auf AMAZON kaufen

 
 


 
 
 

SCHACHNOVELLE – Trailer

 
 


 
 
 

Alexander Brunkhorst

(Rechte für Grafiken liegen bei Arthaus | StudioCanal)

 
 
 
Ähnche Filme:
 
Die Blechtrommel (1979)
 
Der Hauptmann (2017)
 
Napola – Elite für den Führer (2004)
 

Filmkritik: „The Outsiders“ (1983)

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THE OUTSIDERS

Story

 
 
 
Im Klassiker „The Outsiders“ bekämpfen sich zwei verfeindete Jugendgangs, doch im Endeffekt siegt die Erkenntnis, dass Gewalt keine Lösung ist.

 
 
 


 
 
 

THE OUTSIDERS – Kritik

 
 
„The Outsiders“ ist ein Jugendroman der Autorin Susan E. Hinton, die gleich mit ihrem ersten Buch ein enorm populäres Werk in Amerika erschuf. Der autobiografische Stoff avancierte sich zur Pflichtlektüre in den amerikanischen Schulen und ist dort auch heute noch sehr beliebt. Dass nun ausgerechnet Francis Ford Coppola, Regisseur von solch monumentalen Epen wie „Der Pate“ und „Apocalpyse Now“, 1983 eine Verfilmung von diesem Stoff tätigte, geschah nicht ohne Mitwirken von außen. Die Bibliothekarin einer Schule schrieb einen Brief an Coppola. Da „The Outsiders“ so ziemlich die einzige Lektüre war, an der auch Jungs Interesse zeigten, wünschten sich die Klassen eine ansprechende Verfilmung. Coppola, der erst 1979 mit „Der schwarze Hengst“ eine passende Jugendbuch-Verfilmung abgeliefert hatte, schien da der richtige Ansprechpartner zu sein. Und als Coppola sich „The Outsiders“ durchgelesen hatte, sah er das Potenzial für eine Verfilmung. Diese kam dann 1983 in die Kinos, allerdings in etwas anderer Form, als Coppola das gerne gehabt hätte. Die Studios empfanden seinen Film mit knapp zwei Stunden Laufzeit als zu lang für das Zielpublikum. Also wurde der Streifen auf ca. 90 Minuten heruntergekürzt. Erst 2005 brachte Coppola seine damalige Vision des Filmes unter dem Zusatztitel „The Complete Novel“ heraus. Hier gab es rund 22 Minuten mehr Material zu sehen, wobei leider auch ein paar wenige Szenen, die in der Kinofassung existierten, nicht mehr mit dabei waren. Zusätzlich wurde der Soundtrack erweitert, so dass „The Complete Novel“ noch einige Songs von Elvis Presley besitzt. 2021 bekam „The Outsiders“ nun noch eine aufwendig restaurierte Fassung spendiert, die es auch erneut in die Kinos geschafft hat. Zeit, sich mit diesem Klassiker noch mal zu beschäftigen.
 
 
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Der Film handelt von zwei rivalisierenden Jugend-Gangs. Auf der einen Seite, die der Zuschauer am nächsten erfährt, wären da die Greasers, die auf Rock’n’Roll abfahren und einen auf Rebellen machen, weil sie aus eher ärmlichen Verhältnissen stammen. Auf der anderen Seite gibt es die Socs, die sich aus wohlhabenderen Jugendlichen bilden. Die Unterschiede könnten größer nicht sein und deshalb steht Streit auf dem Tagesprogramm. Als eines Abends aus Notwehr einer der Socs umgebracht wird, soll sich das Leben aller Beteiligten drastisch ändern. Das ist gänzlich klassischer Stoff, den Hinton damals im Alter von nur 19 Jahren schrieb und er eignet sich tatsächlich wunderbar für eine Verfilmung. Dabei muss man jedoch sagen, dass Coppola in seiner Version von „The Outsiders“ eher auf Style-over-substance setzt, denn die Tiefe, welche die Vorlage hergibt, erreicht er nie. Das wurde damals auch von den Kritikern so gesehen, weshalb der Film früher kaum gute Rezensionen erhielt. Erst im Laufe der Zeit wurde daraus ein Kult-Streifen.
 
 
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Ganz sicher ist die Besetzung daran nicht ganz unschuldig, denn was man in „The Outsiders“ an Schauspielern sieht, kann jedem Nostalgiker eine Gänsehaut bescheren. C. Thomas Howell, Matt Dillon, Ralph Macchio, Patrick Swayze, Rob Lowe, Emilio Estevez und Tom Cruise gaben sich die Ehre als Greasers. Allerdings waren sie damals alle noch sehr jung und kaum einer von ihnen war ein großer Name in Hollywood. Eine Sache, die sich in den kommenden Jahren stark ändern sollte und gerade deshalb ist es eine Freude sich „The Outsiders“ auch heute noch anzusehen. Howell und Macchio spielen definitiv die größten Rollen und machen das ordentlich, aber auch Dillon und Swayze konnten schon damals mit enormen Charisma punkten. Der Rest ist eher weniger zu sehen und andere Darsteller spielen auch keine größere Rolle, aber alleine wegen diesen ganzen Namen macht der Film selbst knapp 40 Jahre später noch immer Spaß.
 
 
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Die Figurenzeichnung hingegen ist doch deutlich flacher ausgefallen, denn leider schöpft Coppola auch hier nicht das Potenzial aus, was aber sicher auch mit am Drehbuch liegt, welches man einfach tiefgründiger hätte schreiben können. Man muss die Vorlage nicht kennen, um zu erahnen, welche Rolle die verschiedenen Charaktere in „The Outsiders“ übernehmen. Die Verfilmung macht es sich in diesem Punkt ziemlich leicht und dient dem Publikum vor allen Dingen mit einem: Mit reichlich Schmalz. Ja, es wird nicht gerade geringfügig kitschig und sentimental. Das alleine soll allerdings nicht das große Problem sein und hätte ja eigentlich sogar gepasst. Viel schlimmer ist, dass die Emotionen beim Publikum einfach nicht so richtig ankommen. Für ein Drama bzw. ein Melodram ist das deutlich zu wenig. Die Figuren tun einem ein wenig Leid und was dort geschieht, ist manchmal leicht dramatisch, doch für echte Emotionen reicht dies kaum aus. Da es nebenbei jedoch selten Anflüge von Humor gibt, fühlt man sich von den Gefühlen etwas enttäuscht. Hier wäre definitiv mehr drin gewesen. Wenn der emotionalste und ehrlichste Moment erst ganz zum Schluss geschieht, fragt man sich, was die ganzen Szenen zuvor eigentlich sollten.
 
 
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Diese sind natürlich in erster Linie für Francis Ford Coppola höchstpersönlich da, denn was „The Outsiders“ an Tiefe nicht hergibt, macht er mit seinen Bildern wieder wett. Die Inszenierung ist ein Traum und die Optik könnte besser gar nicht sein. Man fühlt sich sofort wie in einem Film der 80er Jahre, wobei dieser einen dann wiederum bestens in das Zeitalter der 60er wirft. Da dürfen auch zahlreiche Anspielungen auf Klassiker nicht fehlen. Für den Cineasten sicher eine wahre Freude. Coppola macht aus der doch relativ simplen Geschichte einen epischen Stoff, so wie man das damals von ihm gewohnt war. Seine Inszenierung ist toll und entwirft Szenen, die sich in die Netzhaut brennen. Aus handwerklicher Sicht ist „The Outsiders“ auch heute noch ein echter Genuss, denn hier sieht einfach alles genial aus. Dass die Inszenierung dabei auf völlig theatralische Übertreibung setzt, passt zu Coppola. So muss es bei der finalen Schlägerei natürlich regnen, doch wenn das Ergebnis so wunderbar aussieht, dann soll das auch einfach so sein.
 
 
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Der Director’s Cut ist dabei die klar zu empfehlende Version, denn selbst wenn es schon hier an Tiefe mangelt, bekommt man doch noch mehr Hintergründe zu den Verhältnissen der Greasers und der Socs geboten. Außerdem ist diese Version mit seinen knapp zwei Stunden Laufzeit auch keineswegs zu lang geraten. Es ist schon erstaunlich, wie wenig man der Jugend schon Anfang der 80er Jahre zugetraut hat. Zu Längen kommt es eigentlich nie, weil alle Szenen ihre Berechtigung besitzen. Fast schon ist man geneigt zu sagen, dass noch mehr Laufzeit besser gewesen wäre. Gerade die ruhigen Momente besitzen ihre gewisse Melancholie und Nachdenklichkeit. Auf Action setzt „The Outsiders“ zwar sowieso eher weniger, aber meistens ist doch relativ viel los und das Tempo ist recht hoch. Hier passt dann natürlich auch der überarbeitete Soundtrack bestens.
 
 


 
 
 

THE OUTSIDERS – Fazit

 
 
 
7 Punkte Final
 
 
„The Outsiders“ ist ein Stück 80er-Jahre-Nostalgie, welches sich seinen Kult-Ruf erst erarbeiten musste und heute viel weniger kritisch aufgenommen wird, als damals noch. Die Geschichte ist sehr simpel, kommt mit guter Moral daher, wird im Film aber nicht so intensiv behandelt, wie man das hätte tun können. Allgemein geht es gerne mal kitschig zur Sache, aber gerade weil die Inszenierung so perfekt ist, verzeiht man das gerne. Außerdem wäre da ja noch dieser beeindruckende Cast. So viele angehende Superstars sieht man selten zusammen. Die Emotionen sitzen leider nicht so richtig und allgemein bleibt „The Outsiders“ ein recht oberflächlicher Film, der nicht mal in der längeren Fassung zu viel mehr Tiefe führen kann, doch aufgrund der echt tollen Atmosphäre wiegt das nicht so schwer. Jeder, der ein Faible für 80er-Jahre-Filme hat, kommt an diesem Klassiker eigentlich kaum vorbei!
 
 


 
 
 

THE OUTSIDERS – Zensur

 
 
 
Die deutsche Fassung von „The Outsiders“ ist ungeschnitten und frei ab 12 Jahren.
 
 
 


 
 
 

THE OUTSIDERS – Deutsche Blu-ray

 
 
 
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(c) ARTHAUS | STUDIOCANAL (2 Blu-rays im KeepCase)

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(c) ARTHAUS | STUDIOCANAL (2 UHDs + 2 Blu-rays im Digipack)

 
 
 

TECHNISCHE DATEN


Originaltitel: The Outsiders; USA 1983

Genre: Drama, Krimis

Ton: Deutsch DTS-HD MA 5.1, Englisch DTS-HD MA 5.1

Untertitel: Deutsch, Englisch für Hörgeschädigte

Bild: 2.40:1 (1080p) | @23,976 Hz

Laufzeit: ca. 115 Minuten

FSK: FSK12 (ungeschnittene Fassung)

Verpackung: Blu-ray im Keepcase (Blu-ray) | Digipak im Schuber (4K-UHD)

Extras: Disc 1: Blu-ray Director’s Cut (The Complete Novel) (HD, ca. 115 Min.), Über die Restaurierung: Interviews, Geschnittene Szenen, Einführung von Francis Ford Coppola, “Outsider Looking In” – neues Interview mit Francis Ford Coppola über Schlüsselszenen eines Kultfilms, Featurette “Old House New Home” – Ein Museum für die “Outsiders”, Trailer, Audiokommentare, Featurette “Stay Gold”: Ein Blick zurück auf The Outsiders, Disc 2 Blu-ray: Kinofassung (HD, ca. 91 Min.), S.E. Hinton am Drehort in Tulsa, Das Casting der “Outsiders”, NBC’s News Today von 1983, ‚The Outsiders‘ Started by School Petition, Sieben Teammitglieder (Lowe, Swayze, Howell, Dillon, Macchio, Garret and Lane) lesen Auszüge aus dem Roman, Geschnittene und erweiterte Szenen, Kinotrailer von 1983

Release-Termin: KeepCase + Digipack: 11.11.2021

 

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The Outsiders [2 UHDs + 2 Blu-rays im Digipack] ungeschnitten im ARTHAUS-Shop kaufen

 
 


 
 
 

THE OUTSIDERS – Trailer

 
 


 
 
 

Benjamin Falk

(Rechte für Grafiken liegen bei ARTHAUS | STUDIOCANAL)

 
 
 
Ähnche Filme:
 
… denn sie wissen nicht, was sie tun (1955)
 
Rumble Fish (1983)
 
Stand by Me – Das Geheimnis eines Sommers (1986)
 

Filmkritik: „Cash Truck“ (2021)

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CASH TRUCK

(WRATH OF MAN)

Story

 
 
 
Ein wortkarger Mann fängt seinen Dienst bei einem Geldtransportunternehmen an und schon kommt es zu einem Überfall. Doch hinter der Sache steckt weitaus mehr.

 
 
 


 
 
 

CASH TRUCK – Kritik

 
 
Guy Ritchie hat den coolen Gangsterthriller mit nur zwei Werken eindeutig geprägt, sich in den letzten Jahren jedoch eher im seichten Mainstream-Sektor wohlgefühlt. Nach Werken wie „Sherlock Holmes“ oder „Aladdin“, kehrte er 2019 mit „The Gentlemen“ allerdings zu seinen Wurzeln zurück und da macht er nun auch mit „Cash Truck“ weiter. Es handelt sich hierbei zwar um das Remake eines französischen Filmes von 2004, aber trotzdem ist die Handschrift von Guy Ritchie unverkennbar. Dabei besticht das Werk weniger durch eine clevere Handlung, sondern viel mehr um die Art und Weise, wie diese vorgetragen wird.
 
 
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Alle nennen ihn nur „H“. Ein Buchstabe genügt ihm als Name. H beginnt einen neuen Job bei einem Geldtransportunternehmen und es dauert nicht lange, da gibt es auch schon einen Überfall. Doch die Räuber haben nicht damit gerechnet, dass H sich nichts gefallen lässt und so wird er auch schon bald zu einem Helden. Doch seine eigentliche Motivation kennt niemand. H hat eine finstere Vergangenheit und diesen neuen Job füllt er nicht ohne Grund aus.
„Cash Truck“ macht eindeutig am meisten Spaß, wenn man nicht zu viel über die Handlung weiß, denn selbst wenn man sich recht früh denken kann, dass es mit der Figur von H mehr auf sich haben muss, so wird der Zuschauer doch vorerst im Dunkeln gelassen, was genau hier gespielt wird. Allgemein wird die Geschichte nicht chronologisch vorgetragen und viel der Laufzeit besteht aus Rückblicken. So setzt sich das Puzzle dann Stück für Stück zusammen und aus einem simplen Rache-Plot wird etwas, das man durchaus etwas komplexer nennen kann. Das Drehbuch ist ordentlich geschrieben und das Spiel mit den verschiedenen Zeit-Ebenen funktioniert hier einwandfrei. Gerade weil man sich die Geschichte selbst ein wenig erarbeiten muss, bleibt man stets interessiert am Ball.
 
 
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Dabei pfeift „Cash Truck“ allerdings auch auf die Erwartungshaltung. Konnte man nach dem Trailer noch mit einem brachialen Actionfilm rechnen, so wird man sich vielleicht etwas enttäuscht sehen. Es dauert zwar nicht lange, bis es zur ersten, richtig gut gemachten, aber auch enorm kurzen Actionszene kommt, doch danach tritt Ritchie vollends auf die Bremse und erzählt seine Geschichte recht ausufernd. Bis es wieder zur Action kommt, muss man schon bis zum Finale warten. Hier kracht es dann noch mal ordentlich, aber selbst der Showdown fällt nicht unbedingt so aus, wie der Zuschauer das vielleicht erwarten wird. Im Endeffekt ist das jedoch als positiv zu verzeichnen, weil Ritchie konsequent seinen Weg geht und dabei einen doch recht geschwätzigen Film gedreht hat, was man von ihm zwar kennt, aber eben nicht in dieser Form. „Cash Truck“ ist überraschend düster und trocken, besitzt einen zynischen Humor, der jedoch kaum zum Lachen einlädt. Die Atmosphäre ist auf der einen Seite cool, aber niemals übertrieben und so wirkt das Werk schon fast bodenständig auf seine eigene Art und Weise. Am ehesten erinnert das Geschehen dabei an einen Heist-Movie, aber das Ganze wird mit Thriller-Einlagen, kleinen Action-Anteilen und etwas Gangster-Stimmung erweitert und daraus entsteht ein abwechslungsreicher Mix.
 
 
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Die Inszenierung hat Ritchie natürlich nicht verlernt und aus handwerklicher Sicht macht „Cash Truck“ nahezu alles richtig. Die Optik ist passend zur Atmosphäre ziemlich unterkühlt und den größten Aufwand braucht Ritchie gar nicht zu betreiben, damit das visuell ansprechend ist. Es gibt hinterher ein paar phänomenale Panorama-Ansichten der Großstadt zu sehen, doch viele Szenen spielen sich auf engerem Raum ab und die Schauplätze sind nicht gerade spektakulär gestaltet, was jedoch gut zur bodenständigeren Stimmung passt. Wenn es Action zu sehen gibt, wurde diese brachial und ordentlich umgesetzt, aber sie steht eben selten im Vordergrund. Das Geschichtenerzählen ist dem Werk wichtiger und so gibt es einige Dialoge zu hören. Gerade weil es hier und da immer mal noch recht unvorhersehbare Wendungen gibt, langweilen die zwei Stunden Laufzeit nicht. Der Start macht neugierig genug, um dem folgenden Treiben zuschauen zu wollen. Es sind vielleicht ein paar minimale Längen zu verbuchen, doch insgesamt weiß „Cash Truck“ durchaus gut zu unterhalten und es kommt in angenehmen Portionen auch mal etwas Spannung auf.
 
 
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Bei den Darstellern muss man natürlich an erster Stelle Jason Statham nennen, der nun bereits zum vierten Mal mit Ritchie zusammengearbeitet hat. Diese Kombination hat eigentlich immer hervorragend gepasst und so harmoniert das Duo auch in „Cash Truck“. Dabei ist Statham in seiner Rolle mal bemerkenswert bodenständig. Er ist den anderen zwar meistens überlegen, wird aber niemals zu einem unrealistischen Berserker und spielt seine düstere Rolle ganz schön nachdenklich und grimmig. Diese Leistung weiß zu gefallen. Dabei stehen jedoch auch eine ganze Menge anderer Darsteller gerne mal im Rampenlicht. Holt McCallany mutiert im Verlauf zu einer schön verabscheuungswürdigen Figur und Scott Eastwood macht als Bösewicht überraschend viel her. In der zweiten Hälfte weiß zudem Jeffrey Donovan zu überzeugen. In kleineren Rollen gibt es noch Andy García und Josh Hartnett zu sehen. Das sind alles brauchbare Leistungen, die den Film aufwerten. Die Figurenzeichnung ist dabei sicherlich etwas mager geraten, doch das soll bewusst so sein. H ist an sich eine tiefgründige Figur, doch so wirklich bemerkt man dies kaum. Auch die anderen Charaktere bedienen eher den Standard, sind dabei aber zum Glück markant genug gestaltet, um nicht sofort aus der Erinnerung zu fliegen.
 
 


 
 
 

CASH TRUCK – Fazit

 
 
 
8 Punkte Final
 
 
Mit „The Gentlemen“ hat sich Guy Ritchie wieder etwas warm gemacht und mit „Cash Truck“ findet er tatsächlich fast zurück zur alten Stärke. Ganz so kultig, wie seine Anfangswerke ist das noch nicht, aber trotzdem bekommt man einen schön düsteren, grimmigen und doch irgendwie coolen Thriller geboten, der hinterher überraschend viele Heist-Movie-Elemente besitzt. Sowieso ist die Story eine Stärke des Werkes, denn obwohl sie im Kern sehr simpel ist, wird sie sehr interessant erzählt und somit enorm aufgewertet. Die Inszenierung sitzt und die zwei Stunden Laufzeit sind trotz minimaler Längen sehr unterhaltsam. Es hätte ruhig ein bisschen mehr Action geben dürfen, doch die Erwartungshaltung des Publikums untergräbt Ritchie sowieso ganz gerne mal. Da er das mit reichlich Stil tut, ist das im Endeffekt jedoch sogar positiv. Die Figurenzeichnung schöpft ihr Potenzial nicht unbedingt aus, aber dank der starken Darsteller fällt dies niemals zu negativ auf. Und ein bisschen Brutalität fehlt zum Glück auch nicht. Somit stellt „Cash Truck“ einen rundum gelungenen Film dar, den sich Fans von Ritchie oder Statham keineswegs entgehen lassen sollten.
 
 


 
 
 

CASH TRUCK – Zensur

 
 
 
Die deutsche Fassung von „Cash Truck“ ist ungeschnitten und frei ab 16 Jahren.
 
 
 


 
 
 

CASH TRUCK – Deutsche Blu-ray

 
 
 
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(c) STUDIOCANAL (Blu-ray im KeepCase)

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(c) STUDIOCANAL (4K UHD im KeepCase)

 
 
 

TECHNISCHE DATEN


Originaltitel: Wrath of Man; USA | Großbritannien 2021

Genre: Thriller, Action, Drama, Krimis

Ton: Deutsch DTS-HD MA 7.1, Englisch DTS-HD MA 5.1

Untertitel: Deutsch

Bild: 2.40:1 (1080p) | @23,976 Hz

Laufzeit: ca. 119 Minuten

FSK: FSK16 (ungeschnittene Fassung)

Verpackung: Blu-ray im Keepcase

Extras: Trailer, Trailershow, Extended Featurette, Making of

Release-Termin: KeepCase: 11.11.2021

 

Cash Truck [Blu-ray im KeepCase] ungeschnitten auf AMAZON kaufen

Cash Truck [4K UHD-Disc] ungeschnitten auf AMAZON kaufen

 
 


 
 
 

CASH TRUCK – Trailer

 
 


 
 
 

Benjamin Falk

(Rechte für Grafiken liegen bei STUDIOCANAL)

 
 
 
Ähnche Filme:
 
Cash Truck – Der Tod fährt mit (2004)
 
Rock N Rolla (2008)
 
The Gentlemen (2019)
 

Filmkritik: „Malasaña 32 – Haus des Bösen“ (2020)

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MALASAÑA 32 – HAUS DES BÖSEN

(32 MALASANA STREET | MALASAÑA 32)

Story

 
 
 

Madrid im Jahre 1976: Eine sechsköpfige Familie zieht in eine neue Wohnung, die lange leer stand. Es dauert nicht lange, bis klar ist, warum das der Fall war, denn etwas Böses hat sich hier einquartiert und terrorisiert die Familie.

 
 
 


 
 
 

MALASAÑA 32 – Kritik

 
 
 
James Wan hat mit seinen beiden Reihen „Insidious“ und „The Conjuring“ den Geisterhorror wieder richtig salonfähig gemacht. Seitdem schaffen es wieder viele solcher Filme auf die große Leinwand und Studios sind scheinbar weiterhin bereit, etwas mehr Geld in solche Produktionen zu stecken. Mit „Malasana 32“ gibt es nun ein spanisches Exemplar zu sehen, welches zwar keineswegs originell daherkommt, seine Zutaten aber ordentlich bedient.
 
 
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Manolo zieht zusammen mit seiner Frau Candela, ihren drei Kindern und dem Großvater vom Dorf in die Großstadt. Mitten im Jahr 1976, unter der Franco-Diktatur, hofft die Familie hier auf ein besseres Leben. Ihr neues Apartment, für welches man extra eine Hypothek aufnehmen musste, bietet mehr Luxus, als die Familie gewohnt ist und man konnte damit scheinbar ein großes Schnäppchen machen, welches allerdings nicht von ungefähr kommt. Jahrelang stand die Wohnung leer, denn hier haben sich einst schreckliche Dinge abgespielt und es dauert auch nicht lange, da machen ein paar Familienmitglieder bedrohliche Sichtungen. Storytechnisch lockt man mit einem solchen Szenario 2020 wohl sicher niemanden mehr hinterm Ofen hervor, aber wer sich im Spukgenre wohlfühlt, erwartet sowieso mehr eine gute Umsetzung, als eine innovative Story. Trotzdem kann man sagen, dass „Malasana 32“ mit seiner Mischung aus „Insidious“, „The Conjuring“ und „Poltergeist“ nicht so ausgelutscht erscheint, wie man vermuten könnte. Hinterher bekommt die Prämisse durchaus noch etwas Hintergrund, welcher zwar nicht mit „Aha“ und „Wow“ Effekten überrascht, dafür aber eine passende Geschichte erzählt, bei der dann auch die Zeit, in der sich das abspielt, nicht ganz so unwichtig erscheint. Von daher kann man dem Drehbuch keine großen Vorwürfe machen.
 
 
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Es gab in den letzten Jahren dermaßen viele solcher Filme, dass es für einen Regisseur bestimmt nicht mehr so leicht ist, noch mit einer eigenständigen Inszenierung zu dienen. Für Albert Pintó stellt „Malasana 32“ erst der zweite Langfilm dar und er bedient hier eigentlich nur die bekannten Klischees, macht das aber in einer souveränen Art und Weise, dass man damit doch sehr zufrieden sein kann. Türen und Fenster öffnen sich mal wieder von alleine, unheimliche Geräusche sind zu vernehmen und gruselige Gestalten zu sehen. So wenig originell das wirken mag, es wurde sehr stilsicher umgesetzt und besitzt ein paar ungemein spannende Szenen. Wobei der Schauplatz schon etwas eigenständiger wirkt. Meistens sind es Spukhäuser, hier nur eine Spuk-Wohnung, aber der Unterschied ist am Ende nicht besonders groß. Das Spiel mit gewissen Kameraeinstellungen ist auf jeden Fall gelungen und zum Ende hin wird der Horror immer lauter. Wer es gerne etwas subtiler hat, wird leider kaum bedient, denn von Anfang an gibt es eher Jumpscares, als richtige Schockeffekte. Trotzdem sind einige davon wirklich gut gemacht, die Soundkulisse allgemein ist stark und die visuelle Umsetzung des Geistes sieht richtig gut aus.
 
 
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Hier und da haben sich ein paar Längen eingeschlichen, weil oftmals jede Szene erneut seine Stimmung aufbauen muss und der Fluss deshalb immer wieder unterbrochen wird. Erst im Finale, welches gekonnt auf zwei Schauplätze aufgeteilt wurde, ändert sich dies. Dass das manchmal etwas an Spannung vermissen lässt, liegt sicher auch an den etwas mageren Figuren. Zwar ist die Familie nicht unsympathisch, aber sie erhalten leider keinen richtigen Hintergrund. Da werden zwar Andeutungen gemacht, doch insgesamt bleibt das etwas zu belanglos. Zum Glück sind die Darsteller aber allesamt brauchbar und die deutsche Synchronisation ist ebenfalls hochwertig ausgefallen. So wie eigentlich die gesamte handwerkliche Arbeit. Die Schauplätze sind zwar begrenzt, machen jedoch genügend her und teilweise gibt es auch einige Effekte zu sehen. Nur wenn man den Faden am Schaukelstuhl als Zuschauer schon erkennen kann, ist das ein Fehler, den man hätte vermeiden können.
 
 
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MALASAÑA 32 – Fazit

 
 
7 Punkte Final
 
 
„Malasana 32“ kann nicht mit dem Gruselterror eines „The Conjuring“ dienen und ist auch nicht so fantasiereich wie „Poltergeist“, macht aber dennoch Spaß. Der Horror setzt mehr auf laute Jumpscares, doch die Atmosphäre besitzt durchaus ihre Bedrohlichkeit. Die Story gewinnt hinterher noch an Tiefe, nur die Charaktere tun dies leider kaum. An der handwerklich soliden Arbeit ändert das nichts und ein paar Szenen sind auf jeden Fall einprägsam genug, um nicht sofort wieder aus den Gedanken zu verschwinden. Zusätzlich agieren die Darsteller passend und die 105 Minuten Laufzeit vergehen im Endeffekt zügig. Wer also vom Haunted-House-Thema nicht genug bekommen kann, sollte sich „Malasana 32“ nicht entgehen lassen!
 
 
 


 
 
 

MALASAÑA 32 – Zensur

 
 
 
„Malasaña 32 – Haus des Bösen“ hat kaum Gewaltmomente zu bieten und bietet eher psychologisches Grauen. Der Film hat eine FSK16 erhalten und ist ungeschnitten.
 
 
 


 
 
 

MALASAÑA 32 – Deutsche Blu-ray

 
 
 
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(c) STUDIOCANAL (Blu-ray im KeepCase)

 
 
 

TECHNISCHE DATEN


Originaltitel: Malasaña 32; Frankreich | Spanien 2020

Genre: Horror

Ton: Deutsch DTS-HD MA 5.1, Spanisch DTS-HD MA 5.1

Untertitel: Deutsch

Bild: 2.40:1 (1080p) | @23,976 Hz

Laufzeit: ca. 105 Minuten

FSK: FSK16 (ungeschnittene Fassung)

Verpackung: Blu-ray im Keepcase

Extras: Trailer, Trailershow

Release-Termin: KeepCase: 28.10.2021

 

Malasaña 32 – Haus des Bösen [Blu-ray im KeepCase] ungeschnitten auf AMAZON kaufen

 
 


 
 
 

MALASAÑA 32 – Trailer

 
 


 
 
 

Benjamin Falk

(Rechte für Grafiken liegen bei STUDIOCANAL)

 
 
 
Ähnche Filme:
 
The Conjuring (2013)

Insidious (2010)

Poltergeist (1982)

Filmkritik: „Hard Powder“ (2019)

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HARD POWDER

(COLD PURSUIT)

Story

 
 
 

Der Sohn eines Schneepflugfahrers wird ermordet, woraufhin sich dieser an den Mördern rächen will und einen Kleinkrieg unter zwei konkurrierenden Drogenbossen anrichtet.

 
 
 


 
 
 

HARD POWDER – Kritik

 
 
 
Dass Hollywood sich gerne ausländische Hits schnappt und diesen ziemlich schnell ein Remake spendiert, ist ja längst keine Neuigkeit mehr. „Einer nach dem anderen“ hat gerade mal fünf Jahre auf dem Buckel und muss sich nun auch einer mainstreamigeren Variante hergeben. Hans Petter Moland durfte sogar selbst bei dem Remake erneut Regie führen und es war davon auszugehen, dass man es hier mit einer glattgebügelten Version zu tun bekommt. Dem ist erstaunlicherweise gar nicht unbedingt so, aber trotzdem kann „Hard Powder“ niemals aus dem Schatten des Originals heraustreten, denn dafür ist er einfach viel zu sehr kopiert.
 
 
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Nels Coxman ist Schneepflugfahrer in einem Skigebiet in Colorado. Eines Tages wird sein Sohn tot aufgefunden und die Todesursache ist eine Überdosis Drogen. Nels weiß, dass sein Sohn kein Junkie war und es dauert auch nicht lange, da bekommt er schon heraus, wer für den Tod verantwortlich ist. Nun bleibt Nels nur noch Rache und er arbeitet sich Stück für Stück nach oben, bis nur noch der Drogenboss Viking auf seiner Liste steht. Der glaubt allerdings, dass seine Konkurrenten für die Leichen verantwortlich sind und so entsteht nebenbei noch ein kleiner Drogenkrieg. Statt Serben gibt es nun Indianer und der Schauplatz wurde auch verändert – Das sind dann auch schon die größten Änderungen, die „Hard Powder“ zu bieten hat, denn ansonsten funktioniert die Story nach demselben Prinzip. Die Abänderungen sind wirklich marginal und sowieso eher unwichtig. Das Grundgerüst der Geschichte ist noch immer ziemlich gut, doch leider sind ein paar Dinge dann leicht schwächer ausgefallen. So funktioniert das Spiel mit dem Rassismus hier weniger und die kleinen gesellschaftskritischen Einschübe findet man leider ebenfalls nicht mehr. Dafür wurde fast der gesamte Rest 1:1 übernommen.
 
 
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Wenn man als Regisseur sein Original noch mal drehen darf, ist das bestimmt eine tolle Chance Fehler von damals zu korrigieren oder den Fokus ein wenig zu verändern, doch Hans Petter Moland macht einfach alles nahezu identisch. Da gibt es teilweise sogar exakt dieselben Kameraeinstellungen und die Dialoge klingen oftmals ebenfalls sehr kopiert. Das ist schade, denn wenn dem Zuschauer das Original bekannt ist, bekommt er hier kaum etwas Neues geboten. Lediglich die verschneiten Rocky Mountains sorgen tatsächlich für noch imposantere Bilder. Aus handwerklicher Sicht ist das wirklich ordentlich ausgefallen, nur hätten ein paar neue Ideen nicht geschadet. So wirkt selbst das Einblenden der Namen der gerade Verstorbenen in „Hard Powder“ kaum noch originell. Selbst viele Gags wurden komplett aus dem Film von 2014 übernommen. Neue Witze bekommt man nur äußerst selten serviert. Erfreulich ist daran am ehesten, dass diese Hollywood-Variante also gar nicht wirklich weichgespülter ist, als das Original, aber wie könnte sie das auch sein, wenn man es doch fast mit demselben Film zu tun hat? Selbst die Gewalt wurde fast identisch belassen.
 
 
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Natürlich sind die größten Unterschiede bei den Darstellern zu finden. Liam Neeson ersetzt nun Stellan Skarsgård und diese Rolle bietet sich für ihn perfekt an. Den Neeson auf Rachefeldzug durfte man in den letzten Jahren ja ungemein oft beobachten. Neeson macht seine Sache solide und ist schön grimmig unterwegs. Tom Bateman ist als Ersatz für Pål Sverre Valheim Hagen in der Rolle des Bösewichts mit Sicherheit nicht schlecht, erreicht jedoch niemals sein Charisma und das ist ein weiteres Problem von „Hard Powder“: Die Figurenzeichnung erzeugt weniger Atmosphäre. Auch hier bekommen wir es mit recht verschrobenen Typen zu tun, die allerdings niemals so markant wirken und eine gewisse Menschlichkeit vermissen lassen. Das ist schade, doch hier bemerkt man dann eben doch, dass man es nicht mit europäischem, sondern mit amerikanischem Mainstream-Kino zu tun hat. Letztendlich sind leider auch Score und Soundtrack relativ austauschbar und erfüllen lediglich ihren Zweck.
 
 
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HARD POWDER – Fazit

 
 
 
6 Punkte Final
 
 
 
„Hard Powder“ ist ein sehenswerter Film, der nur keinerlei künstlerischen Mehrwert besitzt, weil er nach lediglich fünf Jahren das Original fast komplett kopiert. Die anderen Darsteller zu sehen, ist reizvoll und die Inszenierung ist definitiv gelungen, doch ansonsten gibt es keine Gründe, weshalb der Zuschauer das Original nicht vorziehen sollte. Kennt man dieses nicht, bekommt man einen weiterhin recht ruhigen, recht schwarzhumorigen Film geboten, der nur wenig Action, dafür aber ein paar starke Ideen bietet. Allerdings ist die Atmosphäre phasenweise zu schwach, weder dramatisch noch amüsant genug und deshalb bleibt eine kleine Enttäuschung auch nicht aus!
 
 
 


 
 
 

HARD POWDER – Zensur

 
 
 
„Hard Powder“ – der übrigens im Original „Cold Pursuit“ heißt – hat von der FSK eine Freigabe ab 16 Jahren erhalten. Das war bereits bei der Kinoauswertung so und hat sich natürlich auch auf Blu-ray, DVD und UHD nicht geändert. Die Freigabe ist gerechtfertigt. Die deutsche Fassung ist ungeschnitten.
 
 
 


 
 
 

HARD POWDER – Deutsche Blu-ray

 
 
 
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(c) StudioCanal (KeepCase)

 
 
 

TECHNISCHE DATEN


Originaltitel: Cold Pursuit; Großbritannien | Kanada | Norwegen | USA 2019

Genre: Action Thriller

Ton: Deutsch Dolby Atmos, Englisch Dolby Atmos, Französisch Dolby Atmos

Untertitel: Deutsch, Englisch, Französisch

Bild: 2.40:1 (1080p) | @24 Hz

Laufzeit: ca. 119 Min.

FSK: FSK16 (ungeschnittene Fassung)

Verpackung: KeepCase mit Wechselcover

Extras: Featurette, Interviews mit Liam Neeson und Hans Petter Moland, Geschnittene Szenen, Trailer

Release-Termin: 11.07.2019

 

Hard Powder [Blu-ray] ungeschnitten auf AMAZON bestellen

 
 
 


 
 
 

HARD POWDER – Trailer

 
 


 
 

Benjamin Falk

(Die Rechte für alle Grafiken liegen bei STUDIOCANAL)

 
 
 
Ähnche Filme:
 
Unknown Identity (2011)
 
96 Hours (2008)
 
96 Hours – Taken 2 (2012)
 
96 Hours – Taken 3 (2014)
 

Filmkritik: „Alone“ (2017)

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ALONE

(SEULS)

Story

 
 
 

Fünf Teenager müssen sich in eine Welt ohne Menschen durchschlagen und sind dabei vielen Gefahren ausgesetzt.

 
 
 


 
 
 

ALONE – Kritik

 
 
 
Ein Endzeitszenario aus Frankreich, in dem Jugendliche in einer Welt ohne Erwachsene ums Überleben kämpfen müssen. Aufmerksamen Horrorfans dürfte da nicht unbegründet ein Licht aufgehen. Vor einigen Monaten haben wir nämlich schon einmal einen Film besprochen, der ähnliche Geschichte erzählt hat. DON’T GROW UP hat aber nichts mit dem folgenden Film am Hut. Die Storyähnlichkeiten in ALONE sind rein zufällig, ebnen jedoch die Grundlage für packende 90 Minuten, die sich vor teuren Kinohits aus Hollywood nicht verstecken müssen. Der hier vorgestellte ALONE wurde nämlich von STUDIOCANAL mitproduziert und macht (vielleicht auch gerade deshalb) visuell einiges her. Trotz aufwändiger Machart kam der Streifen im Entstehungsland nicht besonders gut an, denn niemand wollte ALONE im Kino sehen. Etwas unverständlich, hat der Thriller doch all das zu bieten, was man von dieser Art von Filmen erwartet. Wohl möglich hat’s an Zombies gemangelt. Die sind immer dann zu sehen, wenn sich Überlebende einer menschenleeren Welt durch vereinsamte Straßenzüge arbeiten müssen. Leider muss ALONE ohne die Untoten auskommen. Der Film suggeriert Angst auf anderem Weg und das macht ihn so besonders. Fans mit einer Leidenschaft für Endzeit- und Weltuntergangsszenarien kommen da auf Ihre Kosten, denn auch wenn der Streifen von den französischen Nachbarn kommt, kann der Film weit mehr, als manch millionenschwerer Schnarcher aus der Mache von Bay, Emmerich oder Konsorten.
 
 
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Irgendwo in Frankreich geht der sonst so taffen Araberin Leila plötzlich der Hintern auf Grundeis. Als die nämlich eines Morgens aus dem Bett kriecht, stimmt die Welt nicht mehr. Alle Erwachsenen und Kinder sind verschwunden. Die Stadt scheint menschenleer zu sein. Was ist hier geschehen? Weil Telefon und Internet nicht funktionieren, muss sie zu Fuß nach Antworten suchen. So trifft die Teenagerin auf andere Jugendliche, die sich über die gleiche Frage den Kopf zerbrechen. Was man schnell in Erfahrungen bringen kann, ist wenig erbaulich. Eine Rauchwolke hat die Stadt umschlossen und lässt niemanden hinaus. Die bahnt sich ihren Weg ins Zentrum und hat den Tod im Schlepptau. Doch der mysteriöse Rauch ist bald das kleinere Übel. Durch die Straßen der Stadt schleicht eine weitaus schlimmere Bedrohung in Menschengestalt. Die hat es auf die Alleingelassenen abgesehen und will den Tod der fünf Jugendlichen. Bei so viel Geheimniskrämerei stellt sich doch glatt die Frage, wer hinter all dem steckt und was hier wohl im Argen liegt. An alle Filmdetektive ein gut gemeinter Rat: Vergeudet keine Zeit mit der Suche nach Erklärungen. Die Auflösung errät man nie.
 
 
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Hinter dem nicht ungeschickten ALONE steckt ein französischer Comic mit dem Titel SEULS. Der umfasst mittlerweile 25 Bände und wurde hierzulande unter dem Titel ALLEIN in die Buchläden gebracht. Weil Comicverfilmungen offenbar immer noch schwer angesagt sind, hat man sich nun auch an die ersten fünf Bände besagter Bildergeschichten gewagt und daraus einen spannenden Endzeitthriller inszeniert, der definitiv nichts für Kinder ist. Eine kuriose Angelegenheit, richtet sich doch die Comicvorlage selbst an eine junge Leserschaft, die hier packende Abenteuer gleichaltriger Grundschüler erlebt. Offenbar wollten die Macher der Filmadaption mit den Möglichkeiten der Vorlage spielen. Um zu vermeiden, dass kleine Kinogänger wegen der zugrundeliegende Thematik und einiger unschöner Bilder verstört werden könnten, wurde ALONE letztendlich so konzipiert, dass sich der Streifen dann doch an ein erwachsenes Publikum richtet. Eine lobenswerte Prämisse, kann erst so von einer beunruhigenden Bildsprache Gebrauch gemacht werden, die absolute und zermürbende Ausweglosigkeit vermittelt. So wurden aus den kleinen Kindern der Bücher junge Erwachsene, die sich nun im Film durch eine trostlose Welt kämpfen müssen in der Zusammenhalt zählt, um Überleben zu können. Freundschaft ist eben alles.
 
 
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ALONE geht auf das Konto von jemandem, der sich mit Jugendlichen und Horror auskennt. Der Franzose DAVID MOREAU schockierte 2006 schon einmal mit kontroversem Zündstoff. Der hieß THEM und handelte von einem Paar, das von maskierten Teenagern terrorisiert wurde. Ganz so heftig wird es diesmal nicht – aber mindestens genauso spannend. ALONE entpuppt sich bei genauerer Betrachtung als französische Version ähnlicher Verfilmungen von Jugendbüchern wie DIVERGENT oder MAZE RUNNER und besitzt sogar Gemeinsamkeiten zu einigen Büchern des viel gelobten STEPHEN KING – darunter DER NEBEL und THE LANGOLIERS. Der Mysterythriller beginnt dabei wie nahezu jeder Endzeitstreifen und steigert die Spannung mit seltsamen Vorkommnissen, die natürlich ergründet werden wollen. So müssen die Helden nach der Ursache suchen, die dazu geführt hat, dass plötzlich alle Menschen verschwunden sind. Zudem muss herausgefunden werden, wer da den Teenagern auf der Lauer liegt und diese am liebsten in den Filmhimmel befördern möchte. Die Antworten darauf sind lobenswerterweise relativ unverbraucht und machen ALONE deshalb zum Geheimtipp. Leider ist der Streifen im Entstehungsland gefloppt. Dies dürfte zur Folge haben, dass (nötige) Fortsetzungen auf sich warten lassen werden. Bedauerlich, hat doch ALONE das Potenzial zu einem Mehrteiler im Stile von Buchverfilmungen wie TRIBUTE VON PANEM oder HARRY POTTER.
 
 


 
 
 

ALONE – Fazit

 
 
 
8 Punkte Final
 
 
 
Eine der besten Endzeitstreifen aus Europa. Ja, auch Europa kann Filme drehen, die das Ende der Menschheit thematisieren. ALONE sieht verdammt gut aus und hat auch noch sympathische Filmfiguren in petto. Die erhalten sogar so etwas wie Tiefe und wachsen daher schnell ans Herz. Leider kam die Comicverfilmung im Entstehungsland nicht sonderlich gut an. Der Film floppte unverständlicherweise, weshalb wohl die Verfilmungen der übrigen Bücher auf Eis gelegt wurden. Angesichts des offenen Endes eine bittere Erkenntnis. Die Comic-Realverfilmung ALONE packt nämlich den Zuschauer schnell. Der will natürlich am Ende wissen wie es weitergeht. Leider muss man sich da wohl vorerst mit den bisher erschienenen Comicbüchern zufriedengeben. Die spinnen die Geschehnisse weiter – wenngleich aber kindgerecht. Anders als die Verfilmung richten sich nämlich die Comics an eine eher junge Fangemeinde. Dementsprechend züchtiger geht es dort auch zu. Da kann man nur hoffen, dass Hollywood nicht Wind davon bekommt. ALONE (der im französischen Original übrigens SEULS heißt) hat Remake-Potenzial. Es würde daher nicht wundern, wenn bald eine amerikanische Version von ALONE um den Globus geht. Mit der Verfilmung von Buchreihen hat die Traumfabrik nämlich Erfahrung, weil sich damit auf Dauer gut Geld verdienen lässt.
 
 
 


 
 
 

ALONE – Zensur

 
 
 
Die Gewalt im Film ist überschaubar. Ein Körper wird mit einem Pfeil durchbohrt und am Ende bekommt der Filmbösewicht auch noch sein Fett weg. Hierzulande dürfte ALONE demzufolge ohne Probleme eine FSK12 erhalten. Dennoch ist der Film – vor allem wegen der apokalyptischen Stimmung – definitiv nichts für Kinder.

 
 
 


 
 
 

ALONE – Trailer

 
 


 
 
 

Marcel Demuth

(Rechte für Abbildungen liegen bei StudioCanal)

 
 
 
Ähnche Filme:
 
Maze Runner – Die Auserwählten im Labyrinth (2014)
 
Maze Runner – Die Auserwählten in der Brandwüste (2015)
 
Bad Kids of Crestview Academy (2017)
 
Die Bestimmung – Divergent (2014)
 
Stephen Kings Langoliers – Verschollen im Zeitloch (1995)
 

Filmkritik: „Blair Witch“ (2016)

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BLAIR WITCH

Story

 
 
 

„James und Lisa verliefen sich im Wald.
Dort war es finster und auch so bitter kalt.
Sie kamen an ein Häuschen … aus Holz und Schimmel fein.
Wo mag die Blair Witch der ollen Hütte sein?“
 
(frei nach dem anonymen Kinderlied um 1900)

 
 
 


 
 
 

BLAIR WITCH – Kritik

 
 
 
1999 wirbelte ein erstaunlich frischer Wind die Kinolandschaft auf. Infolge einer raffinierten PR strömte das Publikum in die Lichtspielhäuser, um in BLAIR WITCH PROJECT das Geheimnis dreier vermisster Jugendlicher zu lüften, die unter mysteriösen Umständen verschwanden. Wochenlang wurde zuvor auf öffentlichen Plakaten über deren ungeklärtes Schicksal spekuliert. Nun sollten aufgetauchte Originalbänder Licht ins Dunkel bringen. Verantwortlich für das Grauen, mit dem die arglosen Hobbyfilmer konfrontiert wurden, sollte die Hexe von Blair sein, die gemäß „recherchierter“ Legenden in den Wäldern um Burkittsville ihr Unwesen trieb und kleinen Kindern nach dem Leben trachtete. Viele Jahre später entschloss man sich nun unter größter Geheinhaltung ein Sequel zu produzieren, das unter dem Titel THE WOODS das Licht der Welt erblickte und so mit einem Überraschungseffekt punkten wollte. Als überzeugendes Bindeglied zwischen den Filmen fungiert hierbei der Bruder, der seit 1994 nicht mehr auffindbaren Heather, der sich – keine Ruhe findend – auf die Suche nach dem Familienmitglied begibt. Gemeinsam mit Freunden und zwielichtigen Helfern startet man also erneut. Allerdings diesmal technisch deutlich besser ausgerüstet. Doch auch wenn einige Drohnenaufnahmen tatsächlich neue Perspektiven eröffnen, ist dieser Umstand nicht von Belang, da der High-Tech-Kram beim folgenden Überlebenskampf – wie erwartet – völlig nutzlos ist.
 
 
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Gedreht wurde erneut im damals noch spektakulären Found Footage Stil, mit dem Ziel Action zu erzeugen, die den Betrachter unmittelbar ins Geschehen zieht. Leider wirkt dieser „Kniff“ nach einer Unmenge ähnlicher Produktionen längst überholt und vermag entsprechend nicht wirklich zu überzeugen. Fairerweise sei angemerkt, dass das Gesehene sicher schwer zu filmen war, aber trotzdem innerhalb des Genrebereiches im Ergebnis professionell visualisierte Bilder liefert. Aber reicht das um von BLAIR WITCH mitgerissen zu werden? Wenn nach 25 Minuten Vorspiel erstmals eine verletzte Fußsohle Interesse zu wecken vermag, haut das nicht gerade aus den Socken … Aber die Hoffnung bleibt, auch bei Gewichtung des soweit respektabel aufspielenden Cast, der jedoch nur zum Teil Mitfühlpotenzial bietet. Doch was folgt, hat wenig mit Innovation zu tun. Gefühlt wird 100 mal zuvor Gesehenes geboten und die Stationen: Spaß, Symbole, Misstrauen, Suche und Panik werden brav abgearbeitet. Dabei nervt vor allen Dingen das ständige Schreien der Namen gesuchter Personen ungemein. Aber auch die an das plötzliche Auftauchen von Protagonisten gekoppelten Jump Scares entlocken, zumindest den Horror-Nerds, nur ein müdes Gähnen.
 
 
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Da man die Leidenschaft der Macher durchaus erahnen kann, bleibt immerhin die Zuversicht auf ein überzeugendes Ende, welches neue Facetten bietet und den Nachfolger als sinnvoll legitimiert. Und tatsächlich gibt es neben den Erweiterungen der BLAIR WITCH-Hintergrundstory, dem Spiel mit der Zeit, einer höheren Opferzahl und vereinzelten Gewalteffekten endlich sekundenlang auch einen Blick auf das zu erhaschen, nach dem sich viele im Original vergeblich gesehnt haben dürften. Aber so wie es sich nunmal leider oft mit erfüllten Wünschen verhält, gestaltet sich das Auftauchen der Legende nach einer anstrengenden – teils klaustrophobischen und insbesondere im Haus rummeligen – Achterbahnfahrt als zwiespältig. Somit werden einige mit dem Ergebnis zufrieden sein, während andere desillusioniert abwinken. Für eine übergreifende Verärgerung könnte dagegen der erneut abrupte Schluss sorgen, dem beim Original immerhin leidenschaftliche Diskussionen über das Gesehene folgten. Doch ein reger Disput dürfte weitgehend ausbleiben, weil es einen bedeutsamen Unterschied zum großen Vorbild gibt: Ende der 90er wusste man tatsächlich nicht, was an den Bildern real und was fiktiv war. Dies führte zu einer überzeugend unbehaglichen Grundstimmung. Auch wollte man sich nach dem Kinobesuch nicht wirklich eingestehen, dass man eigentlich ein geschickt präsentiertes „Nichts“ gesehen hatte, weil es im Grunde nichts zu sehen gab. Aber dieses „Nichts“ wusste trotzdem zu faszinieren. BLAIR WITCH dagegen bietet zwar eine bunt-krude Mischung aus Nostalgie, Body Horror sowie eine Prise Monster- und „The Cabin In The Woods“-SciFi-Elementen, kann jedoch nur ansatzweise an die damals so unheimliche Grundstimmung anknüpfen.
 
 
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BLAIR WITCH – Fazit

 
 
 
5 Punkte Final
 
 
 
Das vom Wackelkameramodus technisch perfekt umgesetzte BLAIR WITCH funktioniert wohl in erster Linie für die, denen der Erstling unbekannt ist, oder alle, die mit eigenen Augen sehen wollen, wie das Hexending nun tatsächlich optisch rüberkommt. (Oder auch nicht … wie man dem durchaus interessanten, da unterschwelllig ironisch-zornigen, Audiokommentar entnehmen kann.) Demnach dürften ebenso willige Easter Egg Sucher auf ihre Kosten kommen. Anderen bieten die weiteren ausführlichen Extras, welche Entstehungsbedingungen und das durchaus sympathisch leidenschaftliche Produktionsteam unter der Regie des souveränen Adam Wingard (YOU’RE NEXT/THE GUEST) in den Mittelpunkt rücken wohl mehr Kurzweil.
 
 
 


 
 
 

BLAIR WITCH – Zensur

 
 
 
Neben einem verletzten Fuß nebst Eigenleben gibt es nur zwei Gewalteffekte zu sehen, auf die nicht näher eingegangen werden soll, da der Film sonst weitere der ohnehin wenigen Höhepunkte verliert. Eine FSK ab 16 ist deren Folge.
 
 
 


 
 
 

BLAIR WITCH – Deutsche Blu-ray

 
 
 
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(c) StudioCanal (KeepCase)

 
 
 

TECHNISCHE DATEN


Originaltitel: Blair Witch; USA 2016

Genre: Horror, Drama, Thriller

Ton: Deutsch DTS-HD MA 5.1, Englisch DTS-HD MA 5.1

Untertitel: Deutsch

Bild: 1.85:1 (1080p) | @23,976 Hz

Laufzeit: ca. 89 Min.

FSK: FSK16 (ungeschnittene Fassung)

Verpackung: KeepCase mit Wechselcover

Extras: Deutscher Trailer Nerve (1:28 Min.), Deutscher Trailer Weinberg (1:54 Min.), Audiokommentar von Regisseur Adam Wingard & Autor Simon Barrett, Making-of (3:17 Min.), House of Horrors: Exploring the Set (15:49 Min.), Neverending Night: Behind-The-Scenes of Blair Witch: Ungewisser Tod – Der Cast (12:45 Min.), Verzerrte Realität (13:19 Min.), Unendliche Nacht – Das Making-of (19:04 Min.), Die Enthüllung (22:58 Min.), Gefangen in der Zeitschleife (9:04 Min.), P.O.V. – Beim Dreh (29:24 Min.), Deuscher Blair Witch-Kinotrailer (2:00 Min.), Deutscher Trailer Der letzte Exorzismus, Deutscher Trailer Hannibal – 1. Staffel, Deutscher Trailer Possession – Das Dunkle in Dir, Deutscher Trailer The Blair Witch Project, Deutscher Trailer The Strangers

Release-Termin: 09.02.2017

 

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BLAIR WITCH – Trailer

 
 


 
 

Andy78

(Die Rechte für alle Grafiken liegen bei STUDIOCANAL)

 
 
 
Ähnche Filme:
 
Blair Witch Project (1999)
 
Blair Witch 2 (2000)
 
Paranormal Activity (2007)
 
The Entity (2015)
 
Katakomben (2014)
 
Grave Encounters 2 (2012)
 
Nightlight (2015)
 
UFO – Es ist hier (2016)
 

Kritik: „Rambo Trilogie“ (1982 – 1988)

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RAMBO TRILOGIE

(RAMBO 1 – 3)

Story

 
 
 
Amerika nach dem Vietnamkrieg. Eine in ihrer Meinung entzweite Gesellschaft tut sich schwer im Willkommenheißen oder einfach nur Wiedereingliedern ihrer körperlich und seelisch verwundeten Söhne. Abertausende ihrer Jugend beraubte Soldaten kehren heim und werden von einer Bevölkerung verachtet, deren Regierung sie für das Verteidigen völlig abstrakter politischer Werte zum Sterben in einen Dschungelkrieg geschickt hatte. John J. Rambo (Sylvester Stallone) ist einer von ihnen. Der Special Forces Soldat indianischer Abstammung will in der waldreichen Gegend des Pacific Northwest der USA die Witwe eines Kameraden besuchen und wird von den örtlichen Gesetzeshütern aufgegriffen. Brian Dennehy als bornierter Polizeichef lässt am Heimkehrer seinen Hass auf vermeintliche „Hippies“ aus. Nicht ahnend, dass der heruntergekommene „Landstreicher“ in den Zeiten von Friedensdemos im Kampf mit zu Feinden erklärten Nordvietnamesen gefangen war. Er reizt Rambo bis aufs Blut, quält ihn und bringt die Lage zur Eskalation. Bald verwandelt Rambo ein Waldstück in einen vietnamartigen Fallen-Dschungel und jagt die Dorfbullen, die sich an seine Fersen geheftet haben, in ihren Untergang .
 
Die Publikums-Wahrnehmung von RAMBO als Rache-Actioner, in dessen Helden es sich so einfach hineinversetzen konnte, musste zwangsläufig zu einer Fortsetzung führen. „Ein Mann sieht rot“ mit Muckis! Deutlich moralfreier und den Bumm-und-Krach-Faktor in den Vordergrund schiebend, erhält Veteran Rambo in RAMBO II: DER AUFTRAG (1985) einen, nun ja, Auftrag. Die Regierung erlässt ihm den Rest seiner harten Zuchthausstrafe, wenn er in Vietnam Fotos noch immer dort gefangener US-Soldaten schießt. Der lupenreine Actionfilm RAMBO 3, 1988 gedreht, nimmt schließlich gar keine Gefangenen mehr. Der sowjetische Feind verkommt zu einer Armee von Schießbudenfiguren, deren Leben keinen Pfifferling mehr wert ist. An der Seite von als „edle Wilde“ portraitierten islamischen Gotteskriegern am zerklüfteten Hindukusch tötet Rambo, ohne mit der Wimper zu zucken, Hunderte von Feinden und reißt sogar noch flotte Sprüche, die auch in Norris- oder Schwarzenegger-Filmen zum Ton gepasst hätten.

 
 
 


 
 
 

RAMBO TRILOGIE – Kritik

 
 
 
Es gibt Filme und Filmfiguren, die ins Unterbewusstsein des Publikums hineingesickert sind. Sie sind Teile der Welt-Folklore geworden, die man gemeinhin Popkultur nennt. Die RAMBO-Filme funktionieren hierfür als perfektes Beispiel. Sogar im deutschen Sprachraum (immerhin zählen wir seit der Nachkriegszeit zu den verlässlich umsatzstärksten Entertainment-Märkten), ist ein „Rambo“ eine Titulierung, die sogleich das passende Bild ins Gedächtnis ruft. Rücksichtslos, rabiat, Anabolika-muskulös, kriegerisch – und intellektuell eher schlicht. Den „keyboard warrior“, mit großer Klappe am Computer, nennt man hierzulande gern einen „Tastatur-Rambo“. Kaum ein amerikanischer Präsident ab Ronald Reagan, der bei US-Kriegsbeteiligung nicht als waffenstrotzende Karikatur von Sylvester Stallones ikonengleicher Filmrolle schlecht fotomontiert auf einem SPIEGEL-Titelblatt erschienen ist.
 
 
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(RAMBO – FIRST BLOOD | © STUDIO CANAL )

 
 
RAMBO, die Verfilmung eines Vietnam-Trauma-Romans von David Morrell, ist ein Schlagwort der Kinogeschichte, untrennbar verbunden mit der Karriere eines der erfolgreichsten Schauspieler der Geschichte und inzwischen zu drei Fortsetzungen gekommen. Die werden von Film zu Film wilder, brutaler und actionreicher. Teil drei bietet gar das pikante Handlungsdetail des amerikanischen Spezialsoldaten an der Seite afghanischer Mujaheddin-Soldaten im Kampf gegen den gemeinsamen Feind Sowjetunion. Eine Länderallianz, die sich später als allzu real herausstellen würde.
 
 
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(RAMBO – FIRST BLOOD | © STUDIO CANAL )

 
 
Dabei fing das millionenschwere Action-Franchise eigentlich ganz anders an. RAMBO (1982) ist viel mehr ein abgeschwächter Spätausläufer des New Hollywood. Jene Bewegung des amerikanischen Filmemachens erhob – nach französischem Vorbild – den Regisseur in den Rang des Autoren. Vorher galt der im US-Kino noch als Handwerker im Auftrag des Produzenten, der oft der Studioboss selbst war. Die Regisseure des New Hollywood waren bedacht darauf, ihre Charaktere nicht zum Klischee werden zu lassen und die Handlungen mit scharfen Kommentaren zur Gesellschaft zu spicken. So ist der Film des Kanadiers Ted Kotcheff auch eine Kritik am US-Militärwesen. Soldat Rambo wurde von seinem Land aufs präzise und seelenlose Töten programmiert, seine Persönlichkeit verbrannt und der Möglichkeit beraubt, nach dem Krieg wieder in eine Normalität zurückzufinden. Der erste Versuch, trotzdem daheim anzukommen, wird ihm vom klar faschistischen Sheriff verbaut, Rambo in die Enge getrieben und dazu gebracht, in Notwehr, die zur Selbstjustiz eskaliert, zu töten. Schließlich beherrscht er nichts so gut. Wir sehen, im Originaltitel, FIRST BLOOD, war noch nicht von der Marketing-kompatiblen Ein-Wort-Action-Marke RAMBO die Rede, sondern vom Grundton des Films selbst: Wer vergießt das erste Blut? Für Richard Crennas bekannteste Rolle, Colonel Trautman, war ursprünglich der ewig drahtige Leinwand-Haudegen Kirk Douglas vorgesehen, der den Film aber dahingehend umbiegen wollte, Rambo selbst zu jagen und zum Schluss natürlich seinem Ende zukommen zu lassen. Das war eher zufällig der Romanvorlage von David Morrell geschuldet. Hier stirbt Rambo zwar auch durch die Hand seines väterlichen Vorgesetzten – nur nicht so Actionfilm-glorios, wie Kirk sich das ausgemalt hatte. Zum Glück war Douglas obendrein noch zu teuer.
 
 
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(RAMBO 2 – DER AUFTRAG | © STUDIO CANAL )

 
 
RAMBO II: DER AUFTRAG (1985) bedient sich eines der beliebtesten Action-Klischees jenes einzigartigen Jahrzehnts. Noch in den unmenschlichen Wasserkäfigen der kommunistischen Vietcong gefangene US-Soldaten, die von den tierhaften asiatischen Fratzenschneidern nur so zum Spaß gefoltert und ermordet werden. Brutalinski-Kollege Chuck Norris hat auf dieser im Verschwörungsuniversum der amerikanischen Veteranenverbände wurzelnden Drehbuch-Idee eine Karriere aufgebaut. Videotheken lebten von solchen Filmen. Das Herabsetzen und Entmenschlichen des unamerikanischen Gegners – von unglaublich vielen Kritikern der Filme angekreidet – greift hier schon aufs Wildeste. Man sollte von hier an versuchen, die Reihe nicht mehr als ernsthaft gescriptetes Kino, sondern viel mehr als Testosteronspektakel von Herren-Filmen zu begreifen. Die Rolle verbissener Bösewichter in der Facon Brian Dennehys spielen im zweiten Teil Steven Berkoff als Russe und Charakterkopf Charles Napier als zwielichtiger Militär.
 
 
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(RAMBO 2 – DER AUFTRAG | © STUDIO CANAL )

 
 
Logische Fortsetzung der zur Jahrmarktsattraktion gewordenen Ein-Mann-Armee ist anno 1988 RAMBO III. Ein vermeintlich letztes Mal spürt man den Supersoldaten auf. Im fremden Terrain Afghanistan gilt es, den Invasoren aus der UdSSR das Fell über die Ohren zu ziehen. Sechs Jahre nach RAMBO und sogar 16 nach der Buchvorlage, ist der gehetzte Vietnamveteran im verregneten Forst des Staates Washington nur noch eine verblasste Erinnerung. Das großflächige Töten von Feinden der 1980er-USA hat mit Sylvester Stallone endgültig ein posterfähiges Gesicht bekommen. Kleines Kuriosum am Rande. Bereits zwei Jahre von Rambos Feldzug an der Seite Osama Bin Ladens zeigten die verrückten Achtziger ihr perversestes Gesicht: Eine Zeichentrickserie! RAMBO: THE FORCE OF FREEDOM (1986) zeigt den eigentlich schwer traumatisierten Tötungsexperten als Kinderfreund im Stil von G.I. Joe, der seinen minderjährigen Buddies beim Lösen von Alltagsproblemen hilft.
 
 
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(RAMBO 3 | © STUDIO CANAL )

 
 
Schließlich JOHN RAMBO, der wahnwitzig brutale Spätnachläufer von 2008 fehlt auch in dieser DVD/BD-Edition. Das liegt maßgeblich an der Rechte, Zensur- und Schnittsituation. Als ultimativer CGI-Splatterfilm kann man dieses Spätwerk Stallones nicht ganz so einfach in die Medienkaufhäuser stellen. Übrigens gab es für Teil fünf bereits ein Drehbuch, in dem sich der endlich in Frieden heimgekehrte Veteran gegen Eindringlinge auf seinem Grundstück zur Wehr setzen muss. Nach fruchtlosen Verhandlungen trat Stallone die Idee an seinen EXPENDABLES-Sidekick Jason Statham ab. Der Film kam 2013 als HOMEFRONT sogar kurz in die Kinos und ist ein durchaus tolerierbares Stück moderner Fresse-voll-Action.
 
 
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(RAMBO 3 | © STUDIO CANAL )

 
 
 


 
 
 

RAMBO TRILOGIE – Fazit

 
 
 

RAMBO – FIRST BLOOD


 
9 Punkte Final
 
 

RAMBO 2 – DER AUFTRAG


 
6 Punkte Final
 
 

RAMBO 3


 
7 Punkte Final
 
 
 
Ob man sich über den Werdengang John Rambos vom Opfer der Kriegswütigen zum steroidgepowerten Vernichtungsroboter verwundert oder verärgert zeigt oder einfach nur kernige Ballerfilme auf sein Hirn wirken lassen möchte: Die RAMBO-Trilogie lässt sich vielfältig betrachten. Auf jeden Fall haben wir hier drei stilbildend-prägende, brutale und essentielle Aushängeschilder amerikanischen Mainstreamkinos. Für einen Filmfan führt an diesen Filmen wenig vorbei.
 
 
 


 
 
 

RAMBO TRILOGIE – Zensur

 
 
 
Die ungeschnittenen Fassungen von RAMBO 2 – DER AUFTRAG und RAMBO 3 waren lange Zeit in Deutschland indiziert und durften bis 2011 nicht im stationären Handel verkauft oder beworben werden. Erst im Dezember 2010 bzw. März 2011 wurden die Filme vorzeitig vom Index gestrichen und erhielten in der ungeschnittenen Form eine Altersfreigabe ab 18 Jahren (keine Jugendfreigabe). Der erste Teil kam da noch besser weg. Er wurde in der kompletten Fassung bereits bei seiner Kinoaufführung 1983 für Jugendliche ab 16 Jahren freigeben und ist auch heute noch für Minderjährige geeignet. Demzufolge sind die drei Filme in der nun erhältlichen RAMBO TRILOGY aus dem Hause STUDIOCANAL ungeschnitten und können bedenkenlos im Kaufhaus gekauft werden. Gleiches gilt für die separat erhältlichen Veröffentlichungen der genannten Filme. Teil 4 mit dem Titel JOHN RAMBO bleibt jedoch wegen einigen unschöner Szenen auf dem Index und kann nur in einschlägigen Onlineshops oder in Videotheken von volljährigen Zuschauern erworben werden. Wer den Film im Elektrofachgeschäft mit rotem FSK-Sticker vorfindet, kann davon ausgehen, dass es sich hierbei um die gerupfte Fassung handelt.
 
 
 


 
 
 

RAMBO TRILOGIE – Deutsche Blu-ray

 
 
 
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(c) StudioCanal

 
 
 

TECHNISCHE DATEN


Originaltitel: Rambo – First Blood; USA 1982 | Rambo: First Blood Part II (1985) | Rambo III (1988)

Genre: Action, Kriegsfilm, Thriller

Ton: Deutsch DTS-HD MA 5.1, Deutsch DTS 2.0, Englisch DTS-HD MA 5.1, Englisch DTS 2.0, Französisch DTS-HD MA 5.1, Französisch DTS 2.0, Spanisch DTS-HD MA 2.0, Italienisch DTS 2.0, Russisch DTS 2.0

Untertitel: Deutsch, Englisch, Dänisch, Finnisch, Französisch, Italienisch, Niederländisch, Norwegisch, Russisch, Schwedisch, Spanisch, Türkisch

Bild: 2.35:1 – @23,976 Hz (1080p)

Laufzeit: insgesamt ca. 291 Min.

FSK: Keine Jugendfreigabe (alle Filme ungeschnitten)

Verpackung: Amaray mit Wendecover

Extras: Alternatives Ende, Audiokommentare von David Morrell und Sylvester Stallone, Audiokommentar von Peter MacDonald,
Audiokommentar von George P. Cosmatos, Alternativer Anfang und Geschnittene Szenen, Das wahre Vietnam: Stimmen von Insidern, Die Heldenschmiede: Amerikas Green Berets, 3 Making Of’s, Mut und Ehre, Rambo: Ein Blick zurück, Rückblende Saigon Bar, Witziges Ende, Featurette: Action im Dschungel, Wie man Rambo wird, Wir werden dieses Spiel gewinnen, Afghanistan – Land in der Krise, Der Weg eines amerikanischen Helden – Die Rambo-Trilogie, Full Circle, Rambos Überlebenswaffen, Sly vs. Rambo, Zahlen rund um Rambo, TV-Spots, Trailer

Release-Termin: 21.07.2016

 

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RAMBO TRILOGIE – Trailer

 
 


 
 

Christian Ladewig

(Rechte für Grafiken & Packshot liegen bei STUDIOCANAL)

 
 
 
Ähnche Filme:
 
John Rambo (2008)
 
Stirb Langsam (1988)
 
Das Phantom Kommando (1985)
 
John Wick (2014)
 

Filmkritik: „The Devil’s Dolls“ (2016)

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THE DEVIL’S DOLLS

(WORRY DOLLS)

Story

 
 
 

Schwarze Magie und gruselige Talismane führen selten zu etwas Gutem. Auch hier nicht. Ihre Besitzer scheinen von Sinnen und töten alles und jeden. Ob es einen Weg geben wird, diese tickenden Zeitbomben zu vernichten?

 
 
 


 
 
 

THE DEVIL’S DOLLS – Kritik

 
 
 
2012 war ein großes Jahr für Regisseur PADRAIG REYNOLDS. Er erntete mit seinem Horror-Debüt RITES OF SPRING viel Aufmerksamkeit und konnte genug Interessenten für die internationale Vermarktung finden. Mittlerweile ist es etwas ruhiger um den auf Festivals gefeierten Filmemacher geworden. Offensichtlich hat er sich ausreichend Zeit genommen, den nächsten Streich vorzubereiten. Der ist nun fertig, heißt THE DEVIL’S DOLLS und kombiniert ebenso wie der Vorgängerstreifen diverse Subgenres miteinander – auch wenn diesmal das Resultat weit hinter den Erwartungen zurückbleibt. Da kann man nur hoffen, dass der Backwoods-Slasher RITES OF SPRING keine Eintagsfliege gewesen ist. THE DEVIL’S DOLLS hat weitaus mehr gekostet – inhaltlich herrscht jedoch das reinste Durcheinander. Hier mangelt es an allem – vor allem aber an Spannung. Demzufolge ist der neue Film nur was für Ausgeschlafene, denn der Regisseur macht es dem Horrorfan nicht leicht, seinem zähen Flickwerk zu folgen.
 
 
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Böse Puppen, gute Puppen. In THE DEVIL’S DOLLS (der im Ausland auch als WORRY DOLLS vertrieben wird) sind es die Erstgenannten, die zu Handlanger des Teufels umfunktioniert werden. Voodoo-Puppen sorgen in diesem Horrorfilm für Tod und Verderben, weil auf den geflochtenen Anhängern ein böser Fluch lastet. Eine Spur der Verwüstung ist die Folge. Im Mittelpunkt steht Polizist Matt (CHRISTOPHER WIEHL). Der bringt den kaltblütigen Serienkiller Henry Leonard Bale (MATTY FERRARO aus RED CLOVER) zur Strecke, der zuvor mit Voodoo-Puppen gespielt hat. Die hat er akkurat in eine Kiste verstaut und läuft anschließend dem Gesetzeshüter versehentlich vors Schießeisen. Leider scheint man es in THE DEVIL’S DOLLS nicht sonderlich ernst mit Beweismitteln zu nehmen. Die geheimnisvolle Kiste mit all den darin enthaltenen Puppen findet einen neuen Besitzer. Der, beziehungsweise die ist acht Jahre alt und die Tochter jenes Polizisten, der das Böse wenige Tage zuvor in die Schranken gewiesen hat. Leider geht es der neuen Eigentümerin bald gar nicht mehr gut. Sie verschönert die erhaltenen Anhänger mit Perlen und Strass, um sie anschließend an höchstbietende Interessenten zu verkaufen. Doch der Fluch der Puppen nimmt bald Besitz von jedem, der eine davon sein Eigen nennt. Die Besessenen verwandeln sich in unaufhaltsame Killermaschinen und ermorden kaltblütig Menschen, die ihnen nahe standen. Wird Cop Matt den Fluch stoppen und die kleine Tochter retten können?
 
 
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Manchmal kann es zum Nachteil sein, wenn man zu eifrig mit Genres experimentiert. Im Falle des Horrorthrillers THE DEVIL’S DOLLS sorgt die Flut an unterschiedlichen Filmrichtungen für Chaos. Der kunterbunte Schubladen-Mix möchte irgendwie nicht funktionieren. Regisseur PADRAIG REYNOLDS war wohl um Einzigartigkeit bemüht und warf Voodoo-Horror, Besessenheits-Grusel, Slasher-Film und Cop-Thriller in einen Topf. Entstanden ist trotz einer stattlichen Anzahl an Ideen eine regelrechte Schlaftablette, die ihre Potenziale nicht ausschöpft, weil der Macher nichts mit den Stilrichtungen anzufangen wusste. Dabei werden bereits im Prolog große Töne gespuckt. Hier erlebt der Streifen bereits seinen Höhepunkt, wenn der Serienkiller blutig zur Tat schreitet. Mit einem Abbruchhammer durchbohrt er den Schädel seines Opfers. Die Kamera hält drauf und ersäuft die Szene in Blut – Gorehounds wird’s freuen. Leider kann THE DEVIL’S DOLLS diese Schockwirkung nicht wiederholen. Nach dem zugegebenermaßen derben Beginn verliert der Film seinen roten Faden. Zu wenig Kills, dabei unwichtige Szenen und belanglose Dialoge, die den Zuseher quälen bis zum Abspann. Dazwischen konfuse Handlungsstränge, allerhand Unlogisches und einen der wohl lahmarschigsten Polizisten der Filmgeschichte. Der verpasst um Haaresbreite jeden Mord und hätte mit weitaus mehr Elan manches Verbrechen im Film verhindern können.
 
 
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Immerhin gibt sich Regisseur PADRAIG REYNOLDS als waschechter Slasher-Fan zu erkennen. In einer Filmszene wird eine Frau mit einer Heckenschere bearbeitet. Während dieser Szene gibt es eine Einstellung zu sehen, die dem Poster des 80er Kult-Slashers THE BURNING nachempfunden wurde. Die gut gemeinte Hommage freut zwar das Horrorfanherz, ändert aber nichts an der Tatsache, dass THE DEVIL’S DOLLS trotz Liebe zum Horrorfilm eine einzige Enttäuschung ist. Tempo wird schmerzlich vermisst und die Geschehnisse dümpeln zwischen den wenigen Morden vor sich hin. Demzufolge sollte man trotz des reißerisch zusammengeschnippelten Trailers nicht zu viel erwarten. Der ist bei weitem besser, als der eigentliche Film. Aus einer Mücke ’nen Elefanten machen – zumindest marketingtechnisch ist THE DEVIL’S DOLLS Königsklasse.
 
 
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THE DEVIL’S DOLLS – Fazit

 
 
 
5 Punkte Final
 
 
 
Viel Theater um eigentlich nichts. THE DEVIL’S DOLLS (der im Original übrigens WORRY DOLLS heißt) ist ein blutiger Genre-Mix, der sein ganzes Pulver in den ersten zehn Minuten verschießt und danach eine katastrophale Talfahrt hinlegt. Hier herrscht größtenteils Langeweile, weil der Slasher-Fan PADRAIG REYNOLDS viel Neues erzählen wollte, aber mit dem Mix der Horror-Subgenres überfordert ist. Selbstverständlich klingt die Idee Voodoo-, Slasher- und Besessenheits-Thematik miteinander zu vereinen, interessant; die Umsetzung gestaltet sich unterm Strich jedoch alles andere als prächtig. Der Grund: spannende Momente bleiben aus und die blutige Richtung, die zu Beginn eingeschlagen wird, kann leider nicht die gesamte Filmlänge über gehalten werden. Das frustriert, weil der Filmtrailer mehr versprochen hat. Wer sich demzufolge viel Zeit sparen möchte und dennoch mitreden will, sollte es demnach bei diesem Trailer belassen. Der fasst die besten Szenen zusammen und ist gerade einmal zwei Minuten lang. Eine richtige Enttäuschung.
 
 
 


 
 
 

THE DEVIL’S DOLLS – Zensur

 
 
 
Hart beginnt THE DEVIL’S DOLLS (OT: WORRY DOLLS) tatsächlich, denn hier wird ein Bohrer in den Kopf einer Frau gerammt und die Kamera hält reißerisch drauf. Die (wenigen) übrigen Morde sind zwar nicht von schlechten Eltern, aber nur halb so hart anzuschauen, wie der Kill in den ersten 10 Minuten. Ungewöhnlicherweise hat die ungeschnittene Fassung des Streifens in Deutschland eine FSK16 erhalten. Das wäre vor einigen Jahren noch undenkbar gewesen. Wichtig zu wissen: Die nun erhältlichen Heimkinofassung besitzt einen roten FSK-Faltschen. Der Grund hierfür liegt im Bonusmaterial. Das besitzt eine höhere Freigabe wie der Film. Deshalb ist die erhältliche Blu-ray und DVD erst für Erwachsene geeignet.
 
 
 


 
 
 

THE DEVIL’S DOLLS – Deutsche Blu-ray

 
 
 
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(c) I-ON New Media | Splendid Film (KeepCase Blu-ray)

 
 
 

TECHNISCHE DATEN


Originaltitel: Worry Dolls; USA 2016

Genre: Horror, Thriller

Ton: Deutsch DTS-HD MA 5.1, Englisch DTS-HD 5.1

Untertitel: Deutsch

Bild: 2.35:1 (1080p) | @23,976 Hz

Laufzeit: ca. 85 Min.

FSK: Film: FSK16 | Blu-ray wegen Bonusmaterial: Keine Jugendfreigabe (ungeschnittene Fassung)

Verpackung: KeepCase mit Wechselcover

Extras: Trailer, Trailershow

Release-Termin: 28.04.2017

 

The Devil’s Dolls [Blu-ray] ungeschnitten auf AMAZON bestellen

 
 
 


 
 
 

THE DEVIL’S DOLLS – Trailer

 
 


 
 
 

Marcel Demuth

(Rechte für Grafiken und Packshot liegen bei I-ON New Media | Splendid Film)

 
 
 
Ähnche Filme:
 
Venom – Biss der Teufelsschlangen (2005)

Possession – Das Dunkle in dir (2012)

Needle – Deinem Schicksal entkommst du nicht (2010)