Filmkritik: „Das Grauen auf Schloss Witley“ (1965)

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DAS GRAUEN AUF SCHLOSS WITLEY

(DIE, MONSTER, DIE!)

Story

 
 
 
Arkham, in England, anstatt, wie üblich Massachusetts. Das Herrenhaus (meinetwegen auch Schloß) der Familie Witley ist bei der Landbevölkerung nicht gerade wohlgelitten. Grausige, übernatürliche Dinge sollen hinter den Mauern vorgehen, der alte Nahum Witley (Boris Karloff, zeitypisch leider im Rollstuhl) mit widernatürlicher Wissenschaft experimentieren. Susan, Nahums Tochter, ist mit dem Amerikanier Stephen liiert. Als der auf Inselbesuch kommt, wird der Alte stinkig, will nicht, dass der Schwiegersohn in spe hier übernachtet. Am liebsten wäre ihm gar ein promptes Ende der Beziehung. Warum? In seinem Gewächshaus erforscht Nahum die Wirkung eines auf seinem Grund niedergegangenen Komenten auf die örtliche Pflanzenwelt. Der gleiche Himmelskörper, der für das Verdorren der gesamten Fauna im Umland verantwortlich ist.

 
 
 


 
 
 

DAS GRAUEN AUF SCHLOSS WITLEY – Kritik

 
 
American International Pictures (AIP) nimmt gewohnheitsmäßig keine Gefangenen, wenn’s um’s Verballern äußerst sparsam angesetzter Budgets unter der Maßgabe maximaler Effektivität und Kassenklingelei geht. Da ist’s fast verzeihlich, wenn AIPs hart arbeitende Drehbuchteufel sich beim Adaptieren populärer Horrorliteratur dermaßen viele künstlerische Freiheiten gönnen, dass die Vorlagen zum Schluss gerne mal nur noch an den Namen der Figuren zu erkennen sind. So geschehen auch bei „Das Grauen auf Schloß Witley“. Die Geschichte könnte so auch dem Edgar-Allan-Poe-as-imagined-by-Roger-Corman-Filmzyklus entstammen. Spuk-Gemäuer, Horror-Altstar, langezogener Plot, herausragende Leistungen von Licht, Kamera und Soundtrack, die über das fehlende Produktionsgeld hinwegtäuschen – alles da. Verfilmt wird H.P. Lovecrafts berühmte Geschichte „Die Farbe aus dem All“, etstanden im Jahr 1927. Die Figurennamen sind zusammengebastelt aus denen von Charakteren dieser Story und der ein Jahr später verfassten Geschichte „Das Grauen von Dunwich“, wo die Protagonisten ja die Redneck-Voodoohexer der Familie Wateley (hier zu „Witley“ verknappt) sind.
 
 
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Boris Karloff als verrückter Wissenschaftler, der mit der Strahlung aus einem Kometen Mutationsexperimente an Pflanzen macht, ist auch so eine Sache, die deutlich mehr „AIP“ als HPL“ ruft. Will sagen, so eine eher bodenständige Mad-Scientist-Schote mit strahlenden Helden gegen den greisen Finsterling im Laborkittel entspricht nicht der Arbeitsweise des Schöpfers von außerirdischen Grauensgottheiten wie dem Großen Cthulhu, Shub-Niggurath und des ihnen gewidmeten Subgenres des „Cosmic-Horror“. Nein, das früher häufige, mit der Qualitätssteigerung der Möglichkeiten von Computereffekten inzwischen weniger oft fallende Attribut „unverfilmbar“ trifft auf die Welten H.P. Lovecrafts noch immer zu und lässt seine Fans weiter auf adäquate Adaptionen seiner Geschichten und ihrer Atmosphäre warten. Richard Stanley geht mit „Die Farbe aus dem All“ schonmal in die richtige Richtung, tappt aber in die Falle, Nicolas Cage einen Nicolas-Cage-Film machen zu lassen.
 
 
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„Das Grauen auf Schloß Witley“ sieht – wie erwähnt AIP-typisch – klasse aus. Das liegt auch an Regisseur Daniel Haller, der wirklich bei Dutzenden Filmen – inklusive des kompletten Horrorkataloges – seines „Heimatstudios“ gelernt hat, mit wenig Mitteln große und beeindruckende Optik zu zaubern. Unter anderem findet sich Hallers Set-Design bei 1963 in Roger Cormans „Die Folterkammer des Hexenjägers“, einer großen Vincent-Price-Show, deren Plot auch ein bunter Lovecraft-Eintopf ist aber als Poe-Verfilmung vermarktet wird. Großer Cthulhu, steh uns bei, ist das kompliziert! 1969 kehrt er zu Lovecraft zurück und arbeitet als Regisseur am psychedelischen „Voodoo Child„. Hinter diesem sicherlich von einem Jimi-Hendrix-Fan ausgesuchten Filmtitel steckt dann tatsächlich eine fantasievolle, wenn auch nicht sonderlich originalgetreue Adaption von „The Dunwich Horror“.
 
 
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DAS GRAUEN AUF SCHLOSS WITLEY – Fazit

 
 
 
6 Punkte Final
 
 
Als frühe Verfilmung der Ideen H.P. Lovecrafts, gebührt „Das Grauen auf Schloss Witley“ ein besonderer Platz in den Annalen des Horror-Genres. Die Gang bei American International Pictures verwurstet gleich mehrere Stories des Meisters aus Providence für das Drehbuch. Das Endergebnis ist okay – wirklich vom Hocker reißt einen der Film leider nicht. Ein Schicksal das er sich mit einem Großteil der HPL-Filme teilt. Boris Karloff ein weiteres Mal als gebrechlichen Senior im Rollstuhl zu sehen, tut im Herzen weh.
 
 


 
 
 

DAS GRAUEN AUF SCHLOSS WITLEY – Zensur

 
 
 
„Das Grauen auf Schloss Witley“ lief 1968 in den westdeutschen Kinos und wurde dort in der ungeschnittenen Fassung mit einer Freigabe ab 16 Jahren gezeigt. Die folgenden VHS- und DVD-Veröffentlichungen waren ebenfalls ab 16 und ungeschnitten. Das hat sich auch bei der Blu-ray-Auswertung nicht geändert. Diese ist nach wie vor für Sechzehnjährige geeignet und uncut.
 
 
 


 
 
 

DAS GRAUEN AUF SCHLOSS WITLEY – Deutsche Blu-ray

 
 
 
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(c) Wicked Vision Media (Mediabook – Cover A – limitiert auf 444 Stück)

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(c) Wicked Vision Media (Mediabook – Cover B – limitiert auf 444 Stück)

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(c) Wicked Vision Media (Mediabook – Cover C – limitiert auf 333 Stück)

 
 
 

TECHNISCHE DATEN


Originaltitel: Die, Monster, Die!; Großbritannien | USA 1965

Genre: Horror, Mystery, Science Fiction

Ton: Deutsch DTS-HD MA 2.0 (Mono), Englisch DTS-HD MA 2.0 (Mono)

Untertitel: Deutsch, Englisch

Bild: 2.35:1 (1080p) | @23,976 Hz

Laufzeit: ca. 80 Min.

FSK: FSK16 (ungeschnittene Fassung)

Verpackung: Mediabook

Extras: 44-seitiges Booklet mit einem Text von Dr. Rolf Giesen & dem Original Comic zum Film, Audiokommentar von Dr. Rolf Giesen & Dr. Gerd Naumann, Deutsche Nostalgie-Fassung (4:3), Deutsche Titelsequenz, Umfangreiche Bildergalerie, Trailer, Film zusätzlich auf DVD

Release-Termin: Mediabook: 14.09.2018

 

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DAS GRAUEN AUF SCHLOSS WITLEY – Trailer

 
 


 
 
 

Christian Ladewig

(Rechte für Grafiken liegen bei Wicked Vision Media)

 
 
 
Ähnche Filme:
 
The Curse (1987)
 
Saat des Bösen (2008)
 
Die Farbe (2010)
 
Die Farbe aus dem All (2019)
 

Filmkritik: „Hatchet for the Honeymoon“ (1970)

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HATCHET FOR THE HONEYMOON

(RED WEDDING NIGHT | IL ROSSO SEGNO DELLA FOLLIA)

Story

 
 
 
Der Chef eines wohlhabenden Modehauses hat mit einem Kindheitstrauma zu kämpfen und kommt diesem nur näher, wenn er weiterhin junge Frauen umbringt…

 
 
 


 
 
 

HATCHET FOR THE HONEYMOON – Kritik

 
 
Wer Dario Argento seinen Lieblingsregisseur nennt, der sollte vermutlich schon früher einmal einen Mario Bava-Film gesehen haben, doch tatsächlich ist mir diese Freude bisher verwehrt geblieben, um nun also mit „Il Rosso segno della Follia“ aka. „Hatchet for Honeymoon“ aka „Red Wedding Night“ meinen Einstieg zu wagen. Mit zwischen sich verwischenden Farb- oder Blutspitzern auf Erde (oder Asche) aufblitzenden Porträts zu einer endlos schönen Score mit betörenden Trompeten gestaltet sich die dreiminütige Opening-Credit-Sequenz als neugierig machende, ästhetische Einstimmung, unvermittelt darauf rast ein Zug auf den Zuschauer und bereitet viszerale Kameraarbeit vor, bei der der Meister selber Hand angelegt hat. Modern wirkende, schnelle Schnitte spiegelnder Gesichter mahnen innerhalb von Sekunden an expressionistische Giallo-Sequenzen an, in der Tat inszeniert sich nun in verträumten, verzerrten Bildern mit hyperrealistisch stilisiertem Blut ein Doppelmord, in dem 7 Minuten lang bis auf „John!“ kein Dialog zu hören ist.
 
 
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John Harrington, so informiert uns ein Voiceover und laut dem gelungenem, 10-minütigen Bonusvideos von Marcus Stiglegger, ein Hitchcock-Verweis anhand eines Monologs über das Leben von Fliegen bzw. Insekten allgemein, der mich an Lees nächtliche Schneckenszene aus „The Wicker Man“ erinnert hat, heißt unser Protagonist und schnell offenbart er uns, dass er von Erinnerungen geplagt wird und aufgrund dieser bereits fünf Frauen umgebracht hat, die rund um sein Brautmodegeschäft vergraben liegen. Die zu Recht eifersüchtige Frau des in wunderbar farbenfrohen, grellen early 70s-Hemden posiernden Playboys schläft laut eigener Aussage nie und erwähnt recht nebensächlich dass sie zur einer Seance eingeladen wurde, das bildhübsche neue Model Helen schneit auch vorbei und biedert sich erfolgreich an. Ein großartig dekoriertes Set voller Schaufensterpuppen sorgt für eindrucksvolle Bilder, abseits des Ästhetikempfindens zieht sich der Film hier allerdings bereits nach knappen 18 Minuten, da John hier minutenlang „nur“ eine Puppe küsst und seine Mordwaffe präsentiert, das titelgebende Beil…
 
 
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Nachdem die Seance wenig ereignisvoll verläuft, besucht Inspektor Russel Johns Gewächshaus und lässt in blumigen Metaphern hervorschimmern, dass er dem umtriebigen Modelmörder längst auf der Schliche zu sein scheint. John wirkt überheblich unbekümmert und erinnert zu 70s-Reißzooms nur an den „richtigen Dünger“, die reizvolle Atmosphäre zwischen den Ermittlungen, der selbstüberhöhten, narzisstischen aber verstörten Darstellung Johns, dem schwarzen Humor und der Giallo-Ästhetik wird dabei durch eine nahezu experimentelle Score unterstützt, die spieluhrartige Melodien und an Italowestern erinnernde, große Gefühle mit schrillen E-Gitarrenriffs kontrastiert, die punktuell unfreiwillig komisch wirken können. In dem Ofen „für die Blätter“, der aber scheinbar in der Lage ist, menschliche Knochen zu verbrennen, den man eben so stehen hat im Gewächshaus, verbrennt John sein nächstes Opfer und kommt seinem Trauma wieder näher, als Zuschauer habe ich einzig durch generelles Genre-Vorwissen jetzt schon erraten können, wie sich sein Trauma wohl auflösen wird, was der Dramaturgie nicht in die Hände spielt. Die verzerrenden Spiegelbilder in bunten Farben und schneller Schnittfolge hingegen sind erneut als visuelles Schmankerl hervorzuheben – bitter nötig auch um die folgenden Szenen auszugleichen, in der partout nicht auf den Punkt kommen oder die Story weitertreiben wollende Dialoge die optisch ansprechenden Szenen inhaltlich sinnlos dehnen, während das zu oft genutzte, wenn auch harmonische Hauptstück des Soundtracks unpassenderweise auch in einer Clubszene gespielt wird, in der Leute wild tanzen.
 
 
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Leicht überlagernde Tonspuren sorgen für falsche Erwartungen, die Bava freudig mit überraschend-schwarzhumorigen Bildschnitten unterwandert oder enttäuscht, das perfideste und prägnanteste Bild des Films dürfte dann die deutlich an „Tenebre“ oder „Suspiria“ erinnernde Szene sein, in der die kunstvoll blutende und ausgestreckte Hand eines Opfers sich mitten zwischen den suchenden Inspektoren spiegelt, die ahnungslos unter der sterbenden Person liegen. Waren die Szenenverläufe bis zu diesem Zeitpunkt, etwa der 50-Minutenmarke, noch allzu vorhersehbar bis repetitiv und schienen zu geradlinig auf ihr Finale zuzusteuern, so überrascht Bava nun mit einem neuen Genreelement, das die Dynamik des Films ändert und einerseits für Verlaufsspannung sorgt, andererseits aber auch eine groteske Note mit sich bringt, die sich für mich nicht ganz in die Tonalität des Films gefügt hat. So läuft beim zweiten Clubbesuch zwar passend funkige und schnelle Musik, dafür aber ist der Besuch selber recht absurd in seiner Bildsprache, auch wirkt die Thematik plötzlich weniger seriös und beängstigend und deutlich ähnlicher einer „Geschichten aus der Gruft“-Folge, die auf teils abstrusen, unterhaltsamen Grusel aus ist. Die entfesselte Kameraführung entlang der malerischen Sets, die zahlreichen Schwenks und Neigungen sowie spannende Winkel vertrösten, das Finale kann mit poetisch-romantischem Dialog aufwarten und der gekonnte Schnitt sorgt für reibungslose, inspirierende Übergänge – dazu wird der Soundtrack so dissonanz und ambient-ähnlich wie noch nie. Doch wenn am Ende eine letzte, optisch sehr ansprechende Sequenz zum ein letztes Mal triumphal aufkommendem Soundtrack präsentiert wird, überwiegt leider nicht der Eindruck eines Films der so wild oder expressionistisch war, wie seine besten Passagen.
 
 
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Schauspielerische Extrapunkte dürften Genrefans gut und gerne nicht nur für die unterkühlte, charmante und überzeugend soziopathische, wenn auch nie sonderlich nahe gehende Performance von Stephen Forsythe vergeben, sondern zweifelsohne auch für die umwerfende Genrediva Dagmar Lassander als Helen und Laura Betti, einer Grande Dame des italienischen Kinos, als Johns Frau. Dass dieser so geradlinig und minimalistisch wirkende Film an Argento sowie Geschichten aus der Gruft, an eine Mörderkomödie ebenso wie an ein ernstes Psychodrama erinnern würde, hätte ich nach den teilweise sehr schleppenden, ersten 60 Minuten nicht gedacht und sehenswert kurios vermischt auf Genre- sowie tonaler Ebene ist „Hatchet for Honeymoon“ definitiv – nur von einem dramaturgisch versierten Film kann schwerlich geredet werden.
 
 
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HATCHET FOR THE HONEYMOON – Fazit

 
 
 
6 Punkte Final
 
 
Wunderschöne Stilübung mit Kostümen, Perspektiven, Setdesigns und expressionistischen Morden zum Verlieben, ein wichtiger Film für Giallo-Fans und ein sehenswerter Bava zweifelsohne – doch so verziert die Rahmenbedingungen, so mager das Script, das weder als ernstes Psychodrama, noch als Thriller je wirklich klappt und zu langsam erzählt wird. Fast sieben, nach erster Sichtung aber „nur“ 6/10.
 
 


 
 
 

HATCHET FOR THE HONEYMOON – Zensur

 
 
 
Die Veröffentlichung von „Hatchet for the Honeymoon“ erschien hierzulande stets ungeschnitten. Das war auf VHS so und ändert sich auch auf der jetzt erhältlichen Blu-ray des Kassikers nicht. Der wurde sogar neu geprüft und ist bereits für Zwölfjährige geeignet.
 
 
 


 
 
 

HATCHET FOR THE HONEYMOON – Deutsche Blu-ray

 
 
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(c) Wicked-Vision (Mediabook – Cover A – auf 888 Exemplare limitiert)

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(c) Wicked-Vision (Mediabook – Cover B – auf 444 Exemplare limitiert)

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(c) Wicked-Vision (Mediabook – Blu-ray KeepCase Erstauflage)

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(c) Wicked-Vision (Mediabook – Blu-ray KeepCase Zweitauflage)

 
 
 

TECHNISCHE DATEN


Originaltitel: Il rosso segno della follia; Italien | Spanien 1970

Genre: Horror, Mystery, Krimil

Ton: Deutsch DTS-HD MA 2.0 (Mono), Englisch DTS-HD MA 2.0 (Mono), Italienisch DTS-HD MA 2.0 (Mono)

Untertitel: Deutsch, Englisch

Bild: 1.78:1 (1080p) | @23,976 Hz

Laufzeit: ca. 88 Min.

FSK: FSK16 (ungeschnittene Fassung)

Verpackung: Mediabook | KeepCase

Extras: Deutscher Audiokommentar von Bava- Experte Pelle Felsch, Vorwort von Schauspielerin Dagmar Lassander, „A Hatchet for Dagmar“: brandneues & exklusives Interview mit Schauspielerin Dagmar Lassander, „My Dying Bride“: brandneues & exklusives Video-Feature mit Prof. Dr. Marcus Stiglegger, Deutsche Titel- & Endsequenz, Italienische Titel- & Endsequenz,Spanischer Werberatschläge, Fotobuste (Italienischer Aushang), Artwork Galerie, Hidden Features, Originatrailer, Trailershow | zusätzlich im Mediabook: DVD mit dem Hauptfilm, 24-seitiges Booklet mit Text von Dr. Marcus Stiglegger

Release-Termin: Mediabook: 30.03.2016 | KeepCase-Erstauflage: 30.03.2016 | KeepCase-Zweitauflage: 25.05.2020

 

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HATCHET FOR THE HONEYMOON – Trailer

 
 


 
 
 

Alexander Brunkhorst

(Rechte für Grafiken und Packshots liegen bei Wicked-Vision)

 
 
 
Ähnche Filme:
 
Blutige Seide (1964)
 
The Girl Who Knew Too Much (1963)
 
Das Geheimnis der schwarzen Handschuhe (1970)
 
Tenebrae (1982)
 

Filmkritik: „Gate II – Das Tor zur Hölle“ (1990)

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GATE 2 – DAS TÖR ZUR HÖLLE

(GATE II: THE TRESPASSERS)

Story

 
 
 
Einige Jahre sind vergangen seit den horriblen Abenteuern, in die der Schüler Glen und sein Kumpel Terry verwickelt waren. Jetzt kreisen die Gedanken des Letztgenannten wieder zunahmend um das teuflische Portal in Glens Garten. Bloß ist der inzwischen weggezogen und kann so Terry auch nicht davon abhalten, seinen seit damals gewachsenen okkultistischen Interessen folgen zu wollen. Terrys Leben ist ein Saures. Sein Vater säuft und lässt die Familie an die Wand fahren. Da bietet sich ja quasi an, einen Dämonen zu beschwören, der die Sache in richtige Bahnen lenkt. Wenn diese Faust’schen Geschäfte nur nicht immer so schlecht enden würden…

 
 
 


 
 
 

GATE 2 – Kritik

 
 
Tibor Takaczs schlägt wieder zu. Drei Jahre nach seinem Debüt, dem überraschenden Achtungserfolg GATE – DIE UNTERIRDISCHEN, lässt der ungarisch-kanadische Regisseur mit der Punker-Vergangenheit seine satanischen Minimonster ein zweites Mal auf die gierige Fantasy- und Horror-Zuschauerschaft los. Bei GATE II – DAS TOR ZUR HÖLLE ist das Gebotene nicht mehr ganz so originell wie beim ersten Teil – aber immer noch bunt und wild genug, um das Videothekenpublikum von einst und jetzt auch uns ein weiteres Mal zu unterhalten.
 
 
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Koboldsmonster im Taschenformat sind 1990 noch ordentlich im Trend. Das zeigen die Fortsetzungen beliebter Filmreihen ähnlichen Zuschnitts wie CRITTERS oder GHOULIES und auch GREMLINS 2 und Charles Bands zahlreiche Puppenhorror-Projekte stehen in den Startlöchern. Ja, ganz besonders dessen produktionsstarke Full Moon Studios würden sich ab 1993 geradezu über schwarzhumorigen Horror mit Miniatur-Ungetümern definieren. Das ist bis in die Gegenwart der Fall. Die Effekte sind erwartungsgemäß kostengünstig und vom alten Schlag, also zwischen Stop-Motion, Hintergrundprojektionen und Belichtungstricks angesiedelt. Als so etwas wie eine CGI-Werkbank muss in jenen Tagen höchstens eine robuste elektronische Rechenmaschine wie der Commodore Amiga 500 rödeln.
 
 
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Stephen Dorff, Hauptdarsteller des ersten Teils, war seinerzeit zum saisonalen Anschmacht-Star fürs weibliche Publikum und somit zu teuer für ein Independent-Studio geworden und man musste das Drehbuch um seinen Freund Terry (Louis Tripp) herum schreiben. Auch ok – lebt ein Film wie GATE II – DAS TÖR ZUR HÖLLE ja nun nicht unbedingt vom besonders feinzeslierten und auf die exakte Besetzung zugeschnittenen Charakterstudium. Nein, der Plot ist ein Faust’sches Moralspiel mit modernisierenden Tupfern und an den richtigen Stellen auch mal ironischem Unterton. Dem Produktionsdesign und den FX sieht man ihre Entstehungszeit an. Das gibt natürlich Instant-Sonderpunkte im für Genreprogramme von einst so wichtigen Nostalgiebereich.
 
 
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GATE 2 – Fazit

 
 
 
6 Punkte Final
 
 
Auch GATE II – DAS TOR ZUR HÖLLE zählt mal wieder zu jener Art von Fantastischem Film, dessen Rezeptur im Sande der Zeit verlaufen zu sein scheint. Minimonster, Angst vorm wahren Horror des echten Lebens, grell gezeichneter Okkultismus. Alles Ingredenzien, von denen die Filmemacher Post-SCREAM und verhaftet im ästhetischen Kino- und Streaming-Einheitsbrei der Generation Netflix mehr Angst haben als der Deibel vorm Weihwasser. Deliziöser Film. Ja, ist so.
 
 


 
 
 

GATE 2 – Zensur

 
 
 
Die Veröffentlichung von GATE 2 – DAS TOR ZUR HÖLLE erschien hierzulande auf VHS ungekürzt mit FSK 18-Freigabe, aber auch als knapp dreiminütige zensierte 16er-Fassung – ebenfalls auf VHS. Auf dem Index stand der Streifen aber nicht. Trotzdem war nach der Video-Veröffentlichung viele Jahre Funkstille. Auch eine legale DVD-Auflage folgte nicht. Das Label WICKED VISION änderte das aber. Im Juni 2018 veröffentlichte das ambitionierte Indie-Label die Fortsetzung zum ersten Mal auf Blu-ray in deutscher Sprache. Die darauf enthaltene Fassung ist ungeschnitten und nach einer Neuprüfung sogar ab 12 (!) Jahren freigegeben.
 
 
 


 
 
 

GATE 2 – Deutsche Blu-ray

 
 
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(c) Wicked-Vision (Mediabook – Cover A – auf 333 Exemplare limitiert)

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(c) Wicked-Vision (Mediabook – Cover B – auf 222 Exemplare limitiert)

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(c) Wicked-Vision (Mediabook – Cover C – auf 333 Exemplare limitiert)

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(c) Wicked-Vision (VHS-Retro-Edition inklusive Teil 1 – Cover A)

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(c) Wicked-Vision (VHS-Retro-Edition inklusive Teil 1 – Cover B)

 
 
 

TECHNISCHE DATEN


Originaltitel: Gate II: The Trespassers; Kanada | USA 1990

Genre: Horror, Mystery, Grusel, Fantasy

Ton: Deutsch DTS-HD MA 2.0, Englisch DTS-HD MA 2.0

Untertitel: Deutsch, Englisch

Bild: 1.85:1 (1080p) | @23,976 Hz

Laufzeit: ca. 93 Min.

FSK: FSK16 (ungeschnittene Fassung)

Verpackung: Mediabook, VHS-Retro-Edition

Extras: 24-seitiges Booklet mit einem Text von Stuart Taylor Corman, (Deutsch/Englisch), 2K Scan vom Interpositive, Deutsche Nostalgie-Fassung (4:3), „Return to the Nightmare“: Ein Rückblick auf „Gate II“ inklusive Interviews mit Regisseur Tibor Takacs, Drehbuchautor Michael Nankin und Special Visual Effects Creator Randall William Cook, „From The Depths“: Interview mit Special Make-up Effects Creator Craig Reardon, Videotheken-Promo, Video-Promo, Deutscher, Trailer, Originaltrailer, Bildergalerie, Deutscher Trailer: „Gate – Das Tor zur Hölle“, zusätzliche DVD mit allen Inhalten wie auf der Blu-ray

Release-Termin: Mediabook: 15.06.2018 | VHS-Retro-Edition: 30.10.2019

 

Gate 2 – Das Tor zur Hölle [Mediabook – Cover A] ungeschnitten auf AMAZON kaufen

Gate 2 – Das Tor zur Hölle [Mediabook – Cover B] ungeschnitten auf AMAZON kaufen

Gate 2 – Das Tor zur Hölle [Mediabook – Cover C] ungeschnitten auf AMAZON kaufen

Gate 1 + 2 [VHS Retro Edition – Cover A] ungeschnitten auf AMAZON kaufen

Gate 1 + 2 [VHS Retro Edition – Cover B] ungeschnitten auf AMAZON kaufen

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GATE 2 – Trailer

 
 


 
 
 

Christian Ladewig

(Rechte für Grafiken und Packshots liegen bei Wicked-Vision)

 
 
 
Ähnche Filme:
 
Gate – Die Unterirdischen (1987)
 
Ghoulis (1985)
 
The Hole – Wovor hast Du Angst? (2009)
 

Filmkritik: „The Dunwich Horror“ (1970)

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THE DUNWICH HORROR

(VOODOO CHILD)

Story

 
 
 
Wilbur Whateley hypnotisiert eine junge Studentin und nimmt sie mit nach Dunwich, um dort Unvorstellbare Kräfte zu wecken…

 
 
 


 
 
 

THE DUNWICH HORROR – Kritik

 
 
Beim Namen „Lovecraft“ düfte einem jeden Horrorfan vermutlich erst einmal warm ums Herz werden, geht es um die filmischen Adaptionen seiner Werke aber, so stammt der Grusel nicht vom kosmischen Horror, sondern der zumeist mangelnden Qualität derer. Gehversuche den zumeist subtilen, unaussprechlichen und phantasmagorischen Grusel auf die Leinwand zu bannnen gab es im Laufe der Geschichte viele, einige ambitionierter als andere, und genau auf diese Eigenschaft sollten die Titel auch geprüft werden, um Ihnen gerecht zu werden.
 
 
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„Ambition“ war beim Dunwich Horror, bei uns im Zuge des Zeitgeistes und Zombie/Voodoo-Flairs unverständlicherweise in „Voodoo Child“ umbenannt, definitiv vorhanden, sollte der Film doch erst von Mario Bava inszeniert werden und Horror-Urgestein Christopher Lee ebenso besetzen wie Peter Fonda, selbst Boris Karloff sollte in der ewig in der Produktionshölle steckenden Partie mitmischen. Doch statt Genrestars mit Weltruhm vor und hinter der Kamera zu kriegen, oder auch nur eine Herzblutangelegenheit von Fans für Fans, ist diese AIP-Produktion mit weniger als einer halben Million Dollar Budget nicht nur für Lovecraftpuristen ungenießbar, sondern vermutlich auch ganz allgemein weit, weit weg von der ursprünglichen Vision des Projekts.
 
 
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Eine schwitzende, stöhnende Frau mit einem Kreis auf der Stirn liegt auf lila Bettlaken und windet sich, relativ unvermittelt und nichtssagend danach folgt dann das schicke Cartoon-Intro mit Silhouetten und einer klassischen Score, die frappierend an Willow’s Song aus „The Wicker Man“ erinnert. Wieso man hier einen sexy posenden Teufel vorfindet, wo Lovecraft mit den üblichen, christlichen Vorstellungen von Himmel und Hölle doch eigentlich recht wenig zu tun hat, ist mir zwar ein Rätsel, zumal das auch zu dem „deutschen“ Titel „Voodoo Child“ null passt, aber gut.
 
 
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Amüsant-absurd wird innerhalb der ersten Minuten Film dann direkt mit dem Necronomicon locker über den halben Unicampus gelaufen, bevor erste Überblenden zum Meer und druidischen Kulten, atmosphärisch rotes Licht in der Bar und eine Backstory über einen gehangenen Verwandten aus Dunwich dann tatsächlich recht schnell Assoziationen zum guten Howard Phillips aufkommen lassen. Hauptdarsteller Dean Stockwell wirkt zu diesem Zeitpunkt dabei noch am ehesten geistesabwesend overactend oder schlafwandelnd-gelangweilt, Ed Begley kann dafür charismatisch aufdrehen und eine denkwürdige Performance als Dr. Henry Armitage abliefern. Sandra Dee als naive Nancy darf unbedarft ihre erste Genreerfahrung sammeln, wird aber den gesamten Film über einfach unter Drogen gesetzt und trink fortlaufend fröhlich ihren vergifteten Tee, ohne die ständige Müdigkeit und Folgen des Konsums je zu hinterfragen, was für vergnügliche Trashmomente sorgt. 18 Minuten im Film dann, kündigen sich erste Horrorvisionen an, die mit der Fahrt auf einen leuchtenden Stein enden.
 
 
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Sam Jaffe darf als kauziger Opa unseres Antihelden (?) Wilbur kurz Nancy erschrecken, anschließend kontrastiert der Film das impressionistische Setdesign der argentoesquen, bunten Farben und Lichter und Wände, mit alptraumhaften, unzusammenhängenden Einstellungen wilder, undefinierter Kannibalenstämme, die am ehesten an die unangenehmste Seite von Lovecrafts Werk erinnern, seinem beiläufigen bis inhärenten Rassismus. Das verdaut, gilt es jedoch definitiv die langsam einsetzenden, interessant-psychdelischen Stilmittel des Films zu loben, da „The Dunwich Horror“ viel mehr ein Kind seiner Zeit und Produktionsumstände ist, denn eine Lovecraft-Adaption, die mit dem Autor des Originals zu verbinden sei. Soll heißen, dass wir eine leicht progressive/durch Trommeln ergänzte Version des erneut sehr an „Wicker Man“ erinnernden main themes zu hören kriegen, eine verriegelte und rüttelnde Tür mit unsagbarem Schrecken dahinter, Nacktheit in den Kannibalenträumen…..und nur noch etwa jede zweite Szene Leerlauf.
 
 
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Denn der Plot von „Dunwich Horror“ ist derart simpel, geradlinig und vorhersehbar gestrickt, dass man auch ohne jedes Lovecraft-Vorwissen schnelll weiß, was Wilbur plant, warum Dr. Armitage und Elizabeth hinterher reisen und wieso diese Produktion eine Laufzeit von nur 88 Minuten hat, denn selbst die zu füllen, fällt teils schon wirklich schwer.
 
 
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Die Backstory ist relativ aufwendig und künstlich mysteriös gehalten, nur um im Endeffekt sehr wenig Auswirkungen auf das Hier und Jetzt zu haben, die Vorlage von Lovecraft ist nur noch in den grobsten Zügen enthalten und spielt sich fast nur im Dialog ab. Visuelles Erzählen mit einer orchestralen Score, kargen Stimmung und verlassenen Ländereien hätten bestens gepasst, stattdessen erklingt hier kein Soundtrack oder immer nur der gleiche und die wenige interessanten Sets weichen im späteren Verlauf fast durchgängig einem einzelnen Altar, an dem sich der Film nach etwa der Hälfte seiner Laufzeit auch ausschließlich aufhält.
 
 
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Wilbur präsentiert nämlich Tattoos und eine behaarte Brust, erklärt noch wie wichtig es sei dass Nancy nackt auf dem Altar liege, entkleidet sie aber zu keinem Moment. Deplatziertes Betouchen oder den Po streicheln scheint dabei wenig ritualistisch bemüht, ikonisch sind zweifelsohne aber die Szenen des eigentlichen Rituals, in denen Stockwell angenehm spezifisch und doch routiniert wirkend seine präzisen Bewegungen ausführt. Gleichzeitig dreht „The Dunwich Horror“ mit seinen wohl impressionistischsten, einprägendsten und besten Szenen der gesamten Laufzeit dann richtig auf, wenn eine im perfekten Ausmaß gezeigte bzw. verdeckte, beunruhigende Kreatur mit grellenden schreien im psychdelisch-bunten 70s-Farbenfilter Opfer sucht und aus der verriegelten Tür ausbricht…
 
 
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Ich würde an dieser Stelle jetzt keine weitere Nacherzählung mehr betreiben aus Ängsten der Spoiler, doch aufgrund des enorm behäbigen, langsam Pacings des Films und der merkwürdigen Entscheidung, das Finale so zu inszenieren, wie es inszeniert wurde, macht es wirklich keinen Unterschied mehr – „The Dunwich Horror“ ist minimalistisch, kurz und kommt ohne große Überraschungen aus. Komplett ohne Soundtrack oder Atmosphäre folgen nur noch skurill-witzige bis behäbig-langweilige Szenen, in denen sich in der Bibliothek gekloppt wird, in denen Polizisten sinnlos in ihren Tod rennen, in denen die Tiere aus Angst durchdrehen oder wenig aufwendige Autounfälle in nebligen Wäldern inszeniert wurden. Das ist immer wieder charmant, kultig, retro, mit ein paar stimmig untersichtigen POV-Perspektiven gedreht und durch kreischende Synthesizer und die handgemachte Kreatur ziemlich unterhaltsam, aber eben auch mindestens genau so trashig, plump, unlogisch und repetitiv.
 
 
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Wieso niemand anders am Altar ist, wo doch gerade noch ein ganzer Lynchmob hinter Wilbur her war, ob jede Fehlgeburt zu einem kosmischen Monster zwischen den Welten wird oder nicht, warum durch einen Blitz gefühlt göttliche Intervention symbolisiert wird nachdem im Intro bereits unpassend der christliche Teufel abgebildet war, wieso es zwischendurch einen Bildfilter gibt der aussieht wie ein über die Kamera gelegtes Stofftuch und wieso die Nacktheit und Jungfräulichkeit Nancys mehrfach erwähnt wird, nur um dann nie wieder wichtig zu werden, das sind so Fragen, auf die man vermutlich keine Antwort mehr kriegen kann und ja, massive Pacingprobleme sorgen für einen zu langen, zu langsamen Retrotrip von Gruselfilm, der insbesondere Lovecraftfans absolut nicht empfohlen werden kann. Doch wer Lust auf stellenweise atmosphärische, leicht psychdelische Late60s/70s-Kost hat, wahlweise zum Reinfühlen oder Beömmeln, mit ein paar netten Performances und Effekten, der darf defnitiv mal einen Blick werfen.
 
 


 
 
 

THE DUNWICH HORROR – Fazit

 
 
 
5 Punkte Final
 
 
Trotz seiner Kürze noch zu langer, von Produktionsproblemen geplagter, leicht psychdelischer 70s-Grusel mit trashigen sowie atmosphärischen Einlagen und maximal oberflächlichstem Lovecraft-Bezug, der durch sein Design und seinen Zeitgeist aber durchaus eine Entdeckung wert sein kann.
 
 


 
 
 

THE DUNWICH HORROR – Zensur

 
 
 
Die Veröffentlichung von „The Dunwich Horror“ erschien hierzulande nur ein einziges Mal legal – und das auf VHS. Die damalige Videoveröffentlichung war ungeschnitten und frei ab 16 Jahren. Erst 2007 hörte man wieder etwas vom Gruselklassiker. Dieser wurde ungeschnitten im PayTV ausgestrahlt. Danach folgte 2010 ein illegales DVD-Bootleg in schlechter Qualität. Nun liegen die Rechte bei Wicked-Vision. Das Label hat sich dem Streifen angenommen und in einer hochwertigen Blu-ray-Sammlerveröffentlichung in den Handel gebracht. Der Release in ungeschnitten und ebenso frei ab 16 Jahren. Toll!
 
 
 


 
 
 

THE DUNWICH HORROR – Deutsche Blu-ray

 
 
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(c) Wicked-Vision (Mediabook – Cover A – auf 333 Exemplare limitiert)

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(c) Wicked-Vision (Mediabook – Cover B – auf 222 Exemplare limitiert)

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(c) Wicked-Vision (Mediabook – Cover C – auf 333 Exemplare limitiert)

 
 
 

TECHNISCHE DATEN


Originaltitel: The Dunwich Horror; USA 1970

Genre: Horror, Mystery, Grusel

Ton: Deutsch DTS-HD MA 2.0 (Mono), Englisch DTS-HD MA 2.0 (Mono)

Untertitel: Deutsch

Bild: 1.85:1 (1080p) | @23,976 Hz

Laufzeit: ca. 90 Min.

FSK: FSK16 (ungeschnittene Fassung)

Verpackung: Mediabook

Extras: Trailer beim Start: Die Monster Die! (1:55 Min.), Monster Squad (1:49 Min.), Audiokommentar 1: von Dr. Gerd Naumann und Dr. Rolf Giesen, Audiokommentar 2: von Jörg Kopetz (vom Wicked-Vision Magazin), Deutscher VHS-Vorspann (4:36 Min.), Deutsche Nostalgie-Fassung (4:3), „Trailers from Hell“ mit Darren Bousman (2:36 Min.), Originaltrailer (2:17 Min.), Selbstlaufende Bildergalerie (3:49 Min./ 44 Bilder), DVD mit dem Hauptfilm, Hörbuch-CD „Das Grauen von Dunwich auf 2 CDs, 24-seitiges Booklet mit Text von Dr. Rolf Giesen und Uwe Sommerlad.

Release-Termin: Mediabook: 14.09.2018

 

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THE DUNWICH HORROR – Trailer

 
 


 
 
 

Alexander Brunkhorst

(Rechte für Grafiken und Packshots liegen bei Wicked-Vision)

 
 
 
Ähnche Filme:
 
Junges Blut für Dracula (1970)
 
Der Todesschrei der Hexen (1970)
 
Im Todesgriff der roten Maske (1969)
 

Filmkritik: „Miss Zombie“ (2013)

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MISS ZOMBIE

Story

 
 
 
Die Untote Sara wird von einer Familie vorübergehend gehalten, um niedere Arbeiten am Hof zu verrichte. Bald schon spannt sich die Situation an und offenbart, wo Menschlichkeit beginnt und aufhört.

 
 
 


 
 
 

MISS ZOMBIE – Kritik

 
 
Die Vorfreude war wieder groß, durch filmchecker meinen mittlerweile zweiten Film von SABU besprechen zu dürfen, denn nach dem sehr guten „Mr. Long“ war die Erwartungshaltung auf sein früher erschienenes, schwarz weißes Zombie-Werk, so dachte ich zumindest, eine ziemlich hohe.
Doch wenn ich je dachte vorbereitet zu sein und es so gar nicht war, obwohl ich mittlerweile gut die Hälfte der Filmographie des vielbeschäftigten Japaners erkundet habe, so wohl bei diesem Titel: „Miss Zombie“ hat mich am ehesten an den grandiosen „The eyes of my mother“ erinnert, und an keinen Film von SABU.
 
 
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„Miss Zombie“ ist ein hochästhetisierter Arthouse-Film ohne Soundtrack, der vereinzelte Umgebungsgeräusche, Röcheln und Atmen, schleifende Schritte oder das schmerzlos endlose Schrubben des Bodens z.B. intensiviert um eine befremdliche Soundkulisse zu schaffen, die den Zuschauer bewusst isoliert und mit der leidenden, ausgebeuteten, missbrauchten Zombieprotagonistin synchronisieren lässt. Die minimalistische Handlung passt sich hier an die oftmals statischen Perspektiven an, mit denen diese Gleichung über Diskriminierung und soziale Unterschiede, Klassenkämpfe und die Ausbeutung junger Frauen in todtraurigen, aber immersiv ästhetischen Bildern erzählt wird.
 
 
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Die Tonalität früherer, meist von Kleinkriminellen erzählender, Filme des Regisseurs wird durch die bewusste Entschleunigung, das Auslassen turbulant komödiantischer Momente und die schiere Bildgewalt gefühlt bewusst gemieden, im Detail – Identifizierung mit dem Zombie bzw. verfehmten Teil der Gesellschaft als Protagonistin, schicksalhafte Tode durch Unfälle, Rache mit Stichwaffen – findet man seine Handschrift jedoch wieder. Ein humanistischer Zombiefilm der als nötige Reinterpretation des totkopierten, aber selten so radikal neu interpretierten Motivs des Untoten gesehen werden kann, aber auch als Arthouse-Sozialdrama.
 
 
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Was zwischen dem symbolischen sowie wortwörtlichen Spiel mit hochkontrastiertem Licht und Schatten in brutalistischen Designerwohnungen auffällt, ist, dass ich eine solch drastische und detailliert gezeigte Gewalt, wenn auch nur punktuell vorhanden, noch nicht von SABU gesehen habe. Dazu gehören auch audiovisuelle Anleihen an das Cyberpunk-Genre, wenn mit industriellen Störgeräuschen, Stroboskoplicht und schnellen Schnitten gearbeitet wird in diesem Film, der sich sonst wie eine Valiumüberdosis anfühlt.
 
 
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Ein bisschen zu stumpf oder unnuanciert als Stilmittel war mir das schon, wieso die Sequenz in Farbe genau dort anfängt und aufhört, wo sie es tut, ist mir nicht klar, auch hab ich einfach einmal zu oft gesehen, wie flüchtende Menschen in Filmen grundlos stolpern – doch abseits dieser Makel dürfte es wirklich „nur“ das Pacing dieses endlos langen 85-Minüters sein, das Leute vom Genuß eines – wenn man will – vielschichtigen und sehenswerten Arthouse-Sozialdramas abhält. Und das wäre wirklich schade.
 
 


 
 
 

MISS ZOMBIE – Fazit

 
 
 
6 Punkte Final
 
 
Endlos schönes, endlos langsames Kunstfilmdrama im Zombiefilmgewand, das sich durch seine Bilder, Deutungsebenen, sein Sounddesign und ein Überdenken der Thematik an sich auszeichnet.
 
 


 
 
 

MISS ZOMBIE – Zensur

 
 
 
Die Veröffentlichung von „Miss Zombie“ hat von der FSK in der ungeschnittenen Fassung die Einstufung „FSK16“ erhalten.
 
 
 


 
 
 

MISS ZOMBIE – Deutsche Blu-ray

 
 
 
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(c) Donau Film | Wicked-Vision (KeepCase Blu-ray – auf 1.000 Exemplare limitiert)

 
 
 

TECHNISCHE DATEN


Originaltitel: Miss Zombie; Japan 2013

Genre: Horror, Mystery, Drama

Ton: Deutsch DTS-HD MA 5.1, Japanisch DTS-HD MA 5.1

Untertitel: Deutsch, Englisch

Bild: 2.35:1 (1080p) | @23,976 Hz

Laufzeit: ca. 85 Min.

FSK: FSK16 (ungeschnittene Fassung)

Verpackung: Scanavo-Box

Extras: Vorwort von Prof. Dr. Marcus Stiglegger, Deutscher Trailer, Originaltrailer, 16-seitiges Booklet von David Renske, DVD mit dem Hauptfilm

Release-Termin: Scanavo-Box: 31.03.2020

 

Miss Zombie [Blu-ray] ungeschnitten auf AMAZON kaufen

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MISS ZOMBIE – Trailer

 
 


 
 
 

Alexander Brunkhorst

(Rechte für Grafiken liegen bei Donau Film | Wicked-Vision

 
 
 
Ähnche Filme:
 
The Eyes of My Mother (2016)
 
The Comedy (2012)
 
Pontypool (2008)
 

Filmkritik: „Frightmare – Alptraum“ (1974)

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FRIGHTMARE – ALPTRAUM

Story

 
 
Edmund und Dorothy Yates (Rupert Davies und Sheila Keith) sind ein bescheidenes englisches Rentnerpärchen. Er bessert seine Rente als Chauffeur auf, sie offeriert im lokalen Blättchen ihre Dienste als Kartenlegerin. Ein Idyll, will man denken. Wäre da nicht der Störfaktor der letzten 15 Jahre. Die haben die alten Leutchen nämlich in der geschlossenen Klapsmühle verbracht. Dorothy hatte sich zuvor als kannibalische Serienmörderin betätigt und ihr Göttergatte, als Verschleierer der Untaten, gleich mit. Die Yates haben zwei erwachsene Töchter. Die ältere beschäftigt sich zeitlebens mit den damals mitbekommenen Ereignissen und versucht mit ihrem Mann, einem Psychiater, dem Auslöser des blutigen Wahns der Mutter auf den Grund zu gehen. Die jüngere, geboren im Jahr der Verhaftung, zeigt ihrerseits eigene Verhaltensauffälligkeiten, die ihre Schwester das Schlimmste erahnen lassen: Hat sich Mutters grausame Psychose vererbt?

 
 
 


 
 
 

FRIGHTMARE – Kritik

 
 
Die Ein-Mann-Exploitation-Todesmaschine Pete Walker ist in den siebziger Jahren das beinharte Rückgrat des britischen Horror- und Bahnhofskinofilms. Mit FRIGHTMARE, das Skript geschrieben vom einzigartigen und hinter manchem Kracher dieser Zeit steckenden Drehbuch-Enfant-Terrible David McGillivray, gelingt ihm sein persönlich vielleicht größter Wurf im Genre. Immer noch im höchsten Maße britisch in Optik und Stimmung, also traurige graue Stadtpanoramen, finstere Landhäuser und mörderische Koteletten an schlechten Menschen, hebt sich die dräuende und hinterhältige Bosheit von FRIGHTMARE spürbar von Walkers anderen, deutlich drögeren Werken dieser Ära ab. Ja, die derbe, auch mit Splattermomenten nicht geizende Bildsprache und die insgesamt menschenfeindliche Grundhaltung des Films erinnert sogar schon an die Arbeiten von Walkers nihilistischem Landsmann Norman J. Warren. Die tragische Kannibalismusgeschichte hat bei allem cinematischen Genre- und Quatschfaktor trotzdem eine realistische, weil psychologisch erklärte Note, die den Film meilenweit über zeitgenössischem Menschenfresser-Terror aus dem Italo-Dschungel oder äffische Zombie-Hirnkauereien erhaben sein lässt.
 
 
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Zu den besonderen Reizen des B-Movies, Trashfilms, Cult Cinemas, nenne man es wie man möchte, gehört die Freude am Wiedererkennen von Gesichtern, die man ab einem gewissen Zeitpunkt des Fanseins untrennbar mit dieser Art von Kino verbindet. Die Schottin Sheila Keith (1920 – 2004) nennt eines dieser Gesichter ihr Eigen und taucht in den Siebzigern in manchem Horrorfilm von der Insel auf. Ihre mehrfache Zusammenarbeit mit Regisseur Pete Walker bildet den deutlichen Kontrast zu ihrem Mitwirken in einer schier endlosen Zahl von UK-Fernsehserien. Mrs. Keiths Schauspielkunst in FRIGHTMARE ist schlicht angsteinflößend – und das ist im besten Sinne und definitiv nicht spöttisch gemeint. Ihre mörderische Psychopathin mit klinischer Ursache ihrer Mordlust könnte zu den einprägsamsten Horrorfilm-Monster zählen, die man nicht direkt, wie etwa die Draculas und Frankensteins von Universal und Hammer oder die amerikanischen Serien-Slasher wie Jason Vorhees und Michael Myers auf dem Schirm hat. Das sollte man aber tunlichst anpassen. Ja, ihre Leistung ist wirklich so gut.
 
 
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FRIGHTMARE ist der letzte Film, den der kurz zuvor aus seiner Firma Tigon Productions ausgeschiedene Tony Tenser (1929 – 2007) produziert. Seinen Ruhm in Fankreisen genießt das kleine Studio durch seine erfolgreichen Exploitationfilme wie Michael Reeves‘ berühmter DER HEXENJÄGER mit Vincent Price. Noch zuvor ist Tenser Co-Produzent von Nackedei-Filmchen aber auch Roman Polanskis frühen Filmen EKEL (1965) und WENN KATELBACH KOMMT… (1966).
 
 
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FRIGHTMARE – Fazit

 
 
 
9 Punkte Final
 
 
Als Kannibalismus-Psychothriller und Horrorfilm mit realistischer Kante ist FRIGHTMARE ein Ausnahmefilm. Dem selten daneben liegenden Kultregisseur Pete Walker gelingt so etwas wie das britische Äquivalent zu Tobe Hoopers BLUTGERICHT IN TEXAS. Was beim Kettensägenmassaker die sonnengebleichte Landschaft des amerikanischen Südwestens ist, übernimmt bei FRIGHTMARE das triste Bild britischer Cottages im Moor.
 
 


 
 
 

FRIGHTMARE – Zensur

 
 
 
Die Zensurgeschichte von FRIGHTMARE ist unterhaltsam. Der Streifen wurde ungeschnitten auf VHS veröffentlicht. 1984 wurde der Film indiziert. KOCH MEDIA brachte den Film im Jahr 2004 als DVD mit einer FSK16 in den Handel, ohne jedoch zu ahnen, dass der Film immer noch indiziert war. Als man den Fehler bemerkte, nahm man die DVD wieder vom Markt. 2009 sah die Bundesprüfstelle immer noch eine Jugendgefährdung und sprach eine Folgeindizierung aus. Doch Anbieter WICKED VISION bemühte sich um eine Rehabilitierung. Das Label reichte im Mai 2020 einen Antrag auf Listenstreichung ein und war erfolgreich. Somit ist FRIGHTMAR nach 36 Jahren nicht mehr auf dem Index. Zeit den Streifen mit einer Premium-Edition zu würdigen. WICKED VISION veröffentlichte jüngst die erste deutsche Blu-ray-Veröffentlichung. Diese ist ungeschnitten, frei ab 16 Jahren und wurde im Mediabook veröffentlicht.
 
 
 


 
 
 

FRIGHTMARE – Deutsche Blu-ray

 
 
 
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(c) Wicked Vision (Mediabook Cover A – Limitiert auf 444 Stück)

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(c) Wicked Vision (Mediabook Cover B – Limitiert auf 222 Stück)

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(c) Wicked Vision (Mediabook Cover C – Limitiert auf 222 Stück)

 
 
 

TECHNISCHE DATEN

Originaltitel: Frightmare; Großbritannien 1974

Genre: Horror, Thriller

Ton: Deutsch DTS-HD MA 2.0 (Mono), Englisch DTS-HD MA 2.0 (Mono)

Untertitel: Deutsch, Englisch

Bild: 1.66:1 (1080p) | @23,976 Hz

Laufzeit: ca. 87 Min.

FSK: FSK16 (ungeschnittene Fassung)

Verpackung: Mediabook

Extras: Audiokommentar von Lars- Dreyer-Winkelmann (Deutsch), Audiokommentar mit Regisseur Pete Walker und Kameramann Peter Jessop (Englisch), „For the Sake of Cannibalism“ – Interview mit Pete Walker, Featurette: „Frightful Thoughts – Pete Walker über Frightmare“, Featurette: „Shelia Keith: A Nice Old Lady?“, Bildergalerie, Trailer, DVD-Fassung des Films, 24-seitiges Booklet mit einem Essay von David Renske

Veröffentlichung: Mediabook: 26.06.2020

 
 

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FRIGHTMARE – Trailer

 
 


 
 
 

Christian Ladewig

(Die Rechte aller verwendeten Bilder und fürs Packshot liegen bei WICKED VISION DISTRIBUTION GMBH)

 
 
 
Ähnliche Filme:
 
Der Turm der lebenden Leichen (1972)
 
Haus der Peitschen (1974)
 
Sklavin des Satans (1976)
 

Filmkritik: „Cadillac Man“ (1990)

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CADILLAC MAN

Story

 
 
Joey (Robin Williams) verdingt sich als Autoverkäufer in Queens, New York und hat gerade ganz gewaltig die Scheiße am Schuh. Sein Boss bedroht seine Karriere im Geschäft mit immer neuen, tafferen Nachwuchsverkäufer-Großmäulern, die deutlich jünger als er sind, seine geschiedene Frau quält ihn mit eingeforderten Unterhaltszahlungen für die von zuhause abgehauene Tochter und zwei Geliebte wollen auch noch finanziert werden. Als Joeys Vertrag durch eine Erfolgs-Deadline so gut wie verloren ist und auch noch ein örtlicher Mafioso sein Darlehen zurückfordert, wird seine Filiale plötzlich zum Schauplatz einer Geiselnahme…

 
 
 


 
 
 

CADILLAC MAN – Kritik

 
 
Diese bitterböse schwarze Komödie, damals in Europa deutlich besser angekommen als in ihrer US-amerikanischen Heimat, ist besonders eines: Ein echter New-York-Film. Man kennt solche akkurat beobachteten und überspitzt auf die Leinwand gebrachten Drehbuch-Momentaufnahmen aus dieser einzigartigen Metropole der Metropolen natürlich von Meistern wie Woody Allen oder dem leider bereits verstorbenen Sidney Lumet. CADILLAC MAN atmet aber jene gleiche Luft von sinnloser Hektik, jederzeit zuschlagen könnender Tragik und humorvoll-zynischer Lebensbewältigung, die der Zuschauer von NYC-Filmen kennt und im Idealfall auch liebt.
 
 
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Ein Szenario wie CADILLAC MAN, sehen wir hier doch de facto die Gefährdung von Leben durch einen bewaffneten Geiselgangster, der selbst am Ende seiner Kräfte steht und nicht mehr weiter weiß, lebt von seiner Besetzung. Die muss vollends authentisches Lokalkolorit bieten und nicht zuletzt durch die – in breitem „New Yawk“-Dialekt vorgetragenen, nein, rausgeschossenen – Dialoge überzeugen. Hier funktioniert das Ganze perfekt. Allein das Casting von Fran Drescher (drei Jahre vor ihrem Durchbruch als DIE NANNY) als eine von Joeys Liebschaften – die andere, nicht weniger toll, Lori Petty, – ist schlicht ein Geniestreich. Einen fieser-näselnden Queens-Akzent als die trashige Frannie hat allerhöchstens noch Donald Trump und der ist hier gottseidank nicht an Bord. Tim Robbins als verzweifelter Gangster zeigt einmal mehr, wie wandlungsfähig und talentiert er ist und die kleineren Rollen, etwa die kotzbrockigen Mafia-Visagen, sind mitten aus dem Big-Apple-Leben gegriffen und könnten auch bei Martin Scorsese mitspielen.
 
 
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Und dann ist da der Star des Films: Robin Williams hat sein Leben lang darunter gelitten, auf hyperaktive, von-null-auf-hundert-in-drei-Sekunden explodierende Kasperrollen festgelegt zu sein, für die er zugegebenermaßen weltberühmt geworden war. CADILLAC MAN gehört zu seinen gänzlich anders angelegten Leistungen als Schauspieler. Leistungen, die er, bei aller Komik, auch nuanciert und mit einem gewaltigen Batzen gebrochener Lebensmüdigkeit auf Zelluloid verewigt. So sind es Filme wie CADILLAC MAN oder TÖTET SMOOCHY (2002), an denen sich der sensible Starkomiker festhalten konnte, wenn die Depression über seine Wahrnehmung durch das Publikum wieder die Oberhand gewinnen wollte. Leider hat das am Ende nicht gereicht.
 
 
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CADILLAC MAN – Fazit

 
 
 
6 Punkte Final
 
 
Robin Williams nimmt uns nicht mit im Cadillac. Er katapultiert uns in eine Achterbahn aus tiefschwarzer Komik, die nicht selten übelkeiterregende Loopings nachvollziehbar emotionaler Verzweiflung schlägt. CADILLAC MAN ist ein bitterböser New Yorker Seitenhieb auf den neurotischen US-Kapitalismus, an dessen Ende nicht mehr wirklich klar ist, ob der Erfolg nur durch Fleiß und Ellenbogeneinsatz oder doch durch die Unberechenbarkeit des Schicksals zu erreichen ist. Toller Film, der eine Wiederentdeckung lohnt.
 
 


 
 
 

CADILLAC MAN – Zensur

 
 
 
CADILLAC MAN hatte nie Probleme mit der FSK. Ob im Kino, auf VHS und auf DVD – der Streifen war stets frei ab 16 Jahren und ungeschnitten. Das hat sich auch bei der nun erhältlichen Blu-ray nicht geändert. Pünktlich zum 30. Jahrestag hat der Anbieter WICKED VISION den Streifen neu auf Blu-ray aufgelegt. Sammler und Filmfans können die schwarze Komödie im Webshop der WICKED VISION DISTRIBUTION GMBH kaufen. Anders als im Handel bekommt man dort hin und wieder bei Bestellungen Goodies mit ins Paket gesteckt.
 
 
 


 
 
 

CADILLAC MAN – Deutsche Blu-ray

 
 
 
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(c) Wicked Vision (Scanavo Box – Limitiert auf 1000 Stück)

 
 
 

TECHNISCHE DATEN

Originaltitel: Cadillac Man; USA 1990

Genre: Komödien, Krimis

Ton: Deutsch DTS-HD MA 2.0, Englisch DTS-HD MA 2.0

Untertitel: Deutsch, Englisch

Bild: 1.85:1 (1080p) | @23,976 Hz

Laufzeit: ca. 98 Min.

FSK: FSK16 (ungeschnittene Fassung)

Verpackung: Scanavo Box mit Wendecover

Extras: Audiokommentar mit Reggiseur Roger Donaldson, Bildergalerie, Deutscher Trailer, Originaltrailer, 24-seitiges Booklet mit einem Essay von Christoph N. Kellerbach, DVD-Fassung des Films

Veröffentlichung: Scanavo Box: 29.05.2020

 
 

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Cadillac Man (30th Anniversary Edition) [Blu-ray + DVD] ungeschnitten auf AMAZON kaufen

 
 


 
 
 

CADILLAC MAN – Trailer

 
 


 
 
 

Christian Ladewig

(Die Rechte aller verwendeten Bilder und fürs Packshot liegen bei WICKED VISION DISTRIBUTION GMBH | Donau Film)

 
 
 
Ähnliche Filme:
 
Tötet Smoochy (2002)
 
Car Dogs (2015)
 

Filmkritik: „Paprika – Ein Leben für die Liebe“ (1991)

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PAPRIKA – EIN LEBEN FÜR DIE LIEBE

(PAPRIKA)

Story

Mimma und ihr Freund stecken in finanziellen Schwierigkeiten. Kohle zur Eröffnung eines eigenen Ladens muss dringend her. So beschließt sie, in einem Bordell anzuheuern. Aus einem Kurzzeitplan wird ein längerfristiges Engagement, erweist sich die Schönheit doch als Naturtalent in Sachen Liebesdienerschaft. Unter dem Künstlernamen Paprika bereist Mimma Italien und sucht, neben sexuellen Abenteuern, bald auch die große Liebe.

 
 
 


 
 
 

PAPRIKA – Kritik

 
 
Der deutsche Titel ist mal wieder gnadenlos. Ob die Arbeit im Bordell wirklich unter einem Leben für die Liebe stattfindet? Im Großen und Ganzen eine Adaption des durchaus klassischen Ferkelromans FANNY HILL von John Cleland, bedient sich der große italienische Schweinkram-Regisseur Tinto Brass (*1933) dessen zugegeben recht dünner Handlung und zeigt mit PAPRIKA – EIN LEBEN FÜR DIE LIEBE mal wieder, was er am besten kann: Nackte Tatsachen. Pudelnackt. Es wird geknattert und voyeuristisch draufgehalten, dass es eine Freude ist und man sich nach aller gezeigten Sleaziness glatt unter der Dusche einweichen möchte. Wie immer feiert der – uns Horror-Helden wohl am präsentesten als Regisseur des legendären Sandalen-Exploitation-Fiaskos CALIGULA (1979) oder der Nazipuff-Groteske SALON KITTY (1976) – Filmemacher mit Leidenschaft die prallen Hinterteile seiner ebenso prallen Darstellerinnen. Allen voran in der Titelrolle der PAPRIKA Deborah Caprioglio, die nie mehr derart zum Anbeißen aussieht wie hier. Die schicke Dame kennt man in ihrer Heimat in den Achtzigern als Boulevard-Skandalnudel, fungiert sie damals doch, gerade 18 geworden, für ein paar Jahre als Geliebte und Muse des deutschen Schauspielers, Schrägstrich Berufswahnsinnigen Klaus Kinski, zu jenem Zeitpunkt gut und gerne fuffzich Jahre älter oder so.
 
 
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Brass Filme schrubben immer gerade so am Hardcore vorbei, sind das, was man in den Seventies in Amerika als „Soft X“ bezeichnet. Daher kennt der deutsche Fernsehzuschauer oder Videothekenkunde das ganze Zeug auch nur in viehisch zensierten Fassungen. Ein Schicksal, das sich der Italiener mit einem anderen heute als Großkünstler gerühmten Fetischisten, Russ Meyer nämlich, teilen muss. Voraussichtlich wird sein Gesamtwerk nach seinem Ableben auch in den Rang des Kulturguts erhoben werden. Auch an den einzigartigen Regisseur Radley Metzger muss man denken – und der dreht zu Lebzeiten ja tatsächlich, wenn auch unter verschiedenen Pseudonymen, harte Pornos. Pornos zwar, die sich ebenfalls literarischer Vorlagen, wie etwa George Bernard Shaws „Pygmalion“, bedienen, aber trotzdem textilfreien Erwachsenensport in gynäkologischer Bilddarstellung widmen.
 
 
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Bevor es allerdings soweit ist und man von geschwätzigen Spießern eingeleitet die Filme des Tinto Brass im Museum bewundern darf oder muss, kann man sich PAPRIKA – EIN LEBEN FÜR DIE LIEBE noch als späten Ausläufer italienischer Sexploitation-Schmierantenkunst, wie sie in den Siebzigern und Achtzigern manches Bahnhofskino zum Stinken gebracht hat, zu Gemüte führen. Wenn man einen solchen Genrefan-Erlaubnisschein denn für nötig erachtet.
 
 
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PAPRIKA – Fazit

 
 
 
7 Punkte Final
 
 
Was der große Kalifornier Russ Meyer für die filmische Heiligsprechung der weiblichen Oberweite war, ist sein italienischer Geistesbruder Tinto Brass für den Popo. Bei PAPRIKA – EIN LEBEN FÜR DIE LIEBE ist das nicht anders. Sein Kamerablick schwänzelt um seine attraktiven Schauspielerinnen und ihre sehr mediterranen Sexpartner herum, dass die Wände wackeln. Ist das Sleaze? Ist das Kunscht? Nein, es ist ein lupenreiner Tinto.
 
 


 
 
 

PAPRIKA – Zensur

 
 
 
PAPRIKA – EIN LEBEN FÜR DIE LIEBE hatte es nicht unbedingt leicht in Deutschland. Der Streifen von TINTO BRASS lief nur gekürzt in den hiesigen Kinos. Auch die VHS-Veröffentlichung war gekürzt. 1992 landete diese auf dem Index und wurde nach 25 Jahren folgeindiziert. Anbieter DONA FILM brachte den Streifen in einer FSK16-Fassung auf den DVD-Markt. In dieser Fassung fehlten knapp 30 Minuten Filmmaterial. Seither war es um PAPRIKA – EIN LEBEN FÜR DIE LIEBE still geworden. Eine ungeschnittene DVD-Fassung wurde in Deutschland nie veröffentlicht. Anbieter WICKED VISION DISTRIBUTION GMBH ändert das jetzt. Dieser veröffentlicht den Erotikstreifen in Zusammenarbeit mit DONAU FILM das erste Mal in Deutschland auf Blu-ray. Diese ist komplett uncut und FSK-ungeprüft. Wer den ungeschnitten Streifen haben möchte, muss aber genauer suchen. Online-Shops mit großem FSK18-Sortiment dürften PAPRIKA im Sortiment führen. Alternativ kann man den Film auch im Webshop der WICKED VISION DISTRIBUTION GMBH kaufen. Um den Film jedoch im Shop sehen zu können, müsst Ihr nachweisen, dass Ihr volljährig seid.
 
 
 


 
 
 

PAPRIKA – Deutsche Blu-ray

 
 
 
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(c) Wicked Vision | Donau Film (Scanavo Box)

 
 
 

TECHNISCHE DATEN

Originaltitel: Paprika; Italien 1991

Genre: Erotik, Drama

Ton: Deutsch (DTS-HD Master Audio 2.0 Stereo), Italienisch (DTS-HD Master Audio 2.0 Stereo)

Untertitel: Deutsch, Englisch

Bild: 1,66:1 (1080p)

Laufzeit: ca. 116 Min.

FSK: ungeprüft (ungeschnittene Fassung)

Verpackung: Scanavo Box mit Wendecover

Extras: Interview mit Tinto Brass (19:41 Min.), Bildergalerie (1:15 Min.) [15 Bilder, Slideshow], Trailershow, 24-seitiges Booklet „Scharf wie Zigeunergulasch“ von Thorsten Hanisch

Veröffentlichung: Scanavo Box: 31.01.2020

 
 

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PAPRIKA – Trailer

 
 


 
 
 

Christian Ladewig

(Die Rechte aller verwendeten Bilder und fürs Packshot liegen bei WICKED VISION DISTRIBUTION GMBH | Donau Film)

 
 
 
Ähnliche Filme:
 
Salon Kitty (1976)
 
Caligula (1979)
 

Filmkritik: „Scars of Xavier“ (2017)

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SCARS OF XAVIER

Story

Ein Serienmörder verursacht mit seinem brutalen Treiben in Prag Angst und Schrecken.

 
 
 


 
 
 

SCARS OF XAVIER – Kritik

 
 
Horrorfilme aus Deutschland werden in der Regel nicht staatlich gefördert. Demzufolge gehen diese nur selten in Produktion und existieren demzufolge kaum. Doch es gibt immer mehr Filmemacher, die das nicht hinnehmen wollen. Die gehen Risiken ein und finanzieren Horrorfilme mittlerweile selbst. Vorbei die Zeiten von übler Amateur-Ware aus dem Hause OLAF ITTENBACH. Der deutsche Horrorfilm hat sich im Untergrund längst weiter in Richtung Professionalität entwickelt. Das Ergebnis: DER NACHTMAHR oder LUZ. Eine Reihe mutiger und vor allem ungewöhnlicher Genre-Filme aus Deutschland, die nun mit SCARS OF XAVIER erweitert wird. Letzterer ist deftig und verursacht in erster Linie Aufsehen durch Brutalität. In Anbetracht dessen, wer da auf dem Regiestuhl sitzt, ist das kein Wunder. Regisseur und Drehbuchautor KAI E. BOGATZKI ist kein unbeschriebenes Blatt in der deutschen Independent-Horrorfilm-Szene. Der war schon an Genre-Streifen wie BLOOD FEST und HI8: RESURRECTIO als Editor beteiligt. Die Konsequenz daraus: Endlich mal selbst einen eigenen Horrorschocker drehen. Nach einigen Kurzfilmen ist der nun erschienen. SCARS OF XAVIER schlug auf Festivals ein, wie eine Bombe und erhielt jede Menge Lob. Deshalb erschien er jüngst auf Blu-ray und DVD im limitierten Mediabook.
 
 
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SCARS OF XAVIER beschreibt nicht unbedingt die inneren Narben, Gewissensbisse und Ängste, welche die Taten als Serienkiller rechtfertigen. Stattdessen handelt der Film vom Treiben eines Mannes, der seinen fehlgeleiteten Emotionen in Form von Morden Herr werden muss. Xavier nennt sich der Einzelgänger und kann in Rom gerade noch so der Polizei entkommen, die seinen schrecklichen Taten auf die Schliche kommen konnte. Nun wird ein neues Versteck benötigt. Das Goldene Prag scheint hierfür prädestiniert zu sein. Schnell hat Xavier eine Anstellung als Fahrzeugreiniger an einer Tankstelle gefunden. Von hier aus kann er seinen Hass auf Frauen ungestört weiter ausleben. Der mordet unbemerkt in Diskotheken oder lockt Frauen zu sich nach Hause, um sie dort zu zerstückeln. Da trifft unser Held in einem Lokal auf eine junge Kellnerin mit Problemen. Offenbar scheint die anders zu sein, als alle andere Frauen zuvor. Doch Horrorfilmkenner ahnen: Diese Liebe wird nicht von langer Dauer sein.
 
 
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Man muss SCARS OF XAVIER durch die rosarote Indie-Brille betrachten. Das ist kein Film für jedermann, der sich mal soeben von etwas Horrorfilmunterhaltung berieseln lassen möchte. SCARS OF XAVIER ist schon harter Tobak, der sich durch das Zelebrieren von Gewalt Eindruck verschafft. Wir sehen, wie Filmfigur Xavier einen wahren Blutrausch durchlebt, in dessen Verlauf diverse Menschen das Leben lassen müssen. Da werden Kehlen durchgeschnitten, Körper zerteilt und Fleischwunden zugefügt. Die Spezialeffekte fallen für Indie-Horror beachtlich professionell aus. Der technisch hohe Standard bekräftigt die Vermutung, dass hier wohl Menschen am Werk waren, die schon länger mit Filmen zu tun haben. Ob Schnitt, Kamera oder Filmmusik – SCARS OF XAVIER beweist eindrucksvoll, dass Indie-Horror aus Deutschland schon lange die Grenzen sinnbefreiter Amateur-Ware überschritten hat.
 
 
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So viel Lob dem Visuelle zuzuschreiben ist, so enttäuschender jedoch die Handlung selbst. SCARS OF XAVIER ist bei genauerer Betrachtung ein zweischneidiges Schwert. Das Drehbuch ist nämlich sein größter Feind. Regisseur und Drehbuchautor KAI E. BOGATZKI (übrigens ein sehr sympathischer Zeitgenosse) treibt seinen Antihelden von Mord zu Mord. Letztere laufen nach immer gleichem Schema ab – nur Todesarten und die Frauen selbst unterscheiden sich voneinander. Spannung kommt da natürlich nur selten auf, was auch daran liegt, dass Filmfigur Xavier unnahbar bleibt. In Rückblenden, die stets in Egoansicht zu sehen sind, erfährt der Zuschauer Ursachen für die Taten. So ist mal wieder die Mutter an allem Schuld, die ihren Jungen in Jugendtagen missbraucht, gedemütigt und schikaniert hat. Klischees, die nur oberflächlich angerissen werden. Der innere Kampf mit sich selbst und seiner Vergangenheit findet im Film nur selten Erwähnung. Stattdessen werden Ängste, Traumata und Emotionen in Blut ersäuft. Jeder Psychologe dürfte da nicht unbegründet die Hände über dem Kopf zusammenschlagen. Als ernst zu nehmendes Psychogramm eines Psychopathen, der durch eine vermasselte Kindheit zum Serienkiller geworden ist, taugt SCARS OF XAVIER daher nicht unbedingt.
 
 
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Übrigens bewiesen alle Beteiligten des Films Herzblut und Engagement. So erklärte Xavier-Darsteller MARC ENGEL im Making-of, welches sich auf Blu-ray und DVD zu SCARS OF XAVIER finden lässt, dass er seinen Charakter so glaubhaft wie möglich erscheinen lassen wollte. Hierfür hungerte er sich auf 52 Kilo herunter. Damit machte er es Schauspieler CHRISTIAN BALE gleich. Letzterer nahm für seine Rolle in DER MASCHINIST knapp 30 Kilogramm ab. Dass Engel offenbar für Filme lebt und quasi alles dafür gibt, zeigt auch der Mut für Extreme. So nahm der deutsche Schauspieler für eine Szene einen Lötkolben in die Hand und fügte sich damit schmerzhafte Verbrennungen zu. Die im fertigen Film gezeigte Wunde ist daher echt. Krasser Shit.
 
 


 
 
 

SCARS OF XAVIER – Fazit

 
 
 
6 Punkte Final
 
 
Kontroverses Serienkiller-Gemetzel aus deutschen Landen, das Indie-Horrorfilme aus Deutschland auch international interessant machen dürfte. Zwar hat das Drehbuch so einige Schwächen. Die Professionalität und der hohe technische Standard sind aber beachtlich. SCARS OF XAVIER tritt in die Fußstapfen von so Filmen wie MANIAC oder HENRY. Mit denen kann diese Produktion zweifelsohne mithalten.
 
 


 
 
 

SCARS OF XAVIER – Zensur

 
 
 
Die deutsche Fassung von SCARS OF XAVIER ist ungeschnitten, aber auch ungeprüft. Wegen fragwürdiger Szenen dürfte es der Streifen generell schwer haben überhaupt durch eine FSK-Prüfung zu gelangen. Wer den ungeschnitten Streifen haben möchte, muss daher genauer suchen. Online-Shops mit großem FSK18-Sortiment dürften SCARS OF XAVIER im Sortiment haben. Alternativ kann man den Film auch im Webshop der WICKED VISION DISTRIBUTION GMBH kaufen.
 
 
 


 
 
 

SCARS OF XAVIER – Deutsche Blu-ray

 
 
 
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(c) Wicked Vision | Rawside Entertainment (limitiertes Mediabook – Cover A – auf 222 Stück limitiert)

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(c) Wicked Vision | Rawside Entertainment (limitiertes Mediabook – Cover B – auf 222 Stück limitiert)

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(c) Wicked Vision | Rawside Entertainment (limitiertes Mediabook – Cover C – auf 222 Stück limitiert)

 
 
 

TECHNISCHE DATEN

Originaltitel: Scars of Xavier; Deutschland | Tschechien 2017

Genre: Horror, Thriller

Ton: Deutsch DTS-HD MA 5.1, Englisch DTS-HD MA 5.1

Untertitel: Deutsch, Englisch

Bild: 2.35:1 (1080p) | @23,976 Hz

Laufzeit: ca. 91 Min.

FSK: ungeprüft (ungeschnittene Fassung)

Verpackung: Mediabook

Extras: 24-seitiges Booklet mit einem Text von Mike Blankenburg, Nummerierte Sammelkarte (Nur für die ersten 100 Vorbesteller im Wicked Shop), Deleted Scenes, Making-of, Interviews, Making-of Synchronisation, Teaser, Trailer, Musikvideo, Kurzfilm, Bildergalerie, Hauptfilm auf DVD

Veröffentlichung: Mediabook: 07.04.2020

 
Nachdem SCARS OF XAVIER seine Weltpremiere auf dem US-Nightmares Film Festival im Jahr 2017 feiert, wurde er seither u. a. in den Niederlande auf DVD (ab 16) sowie in Norwegen als VOD (ab 15) veröffentlicht. Nun – im Jahr 2020 – hat es der Streifen auch auf den deutschen Markt geschafft. Das beliebte Label WICKED VISION hat SCARS OF XAVIER als Teil seiner Uncut Rawside Edition veröffentlicht. Diese ziert die Nummer fünf. SCARS OF XAVIER kann demzufolge in drei Mediabooks mit unterschiedlichem Cover gekauft werden. Jedes Mediabook ist streng limitiert auf 222 Stück. In jedem Mediabook ist eine DVD und eine Blu-ray zum Film enthalten.
 

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SCARS OF XAVIER – Trailer

 
 


 
 
 

Marcel Demuth

(Die Rechte aller verwendeten Bilder und fürs Packshot liegen bei WICKED VISION DISTRIBUTION GMBH | Rawside Entertainment)

 
 
 
Ähnliche Filme:
 
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Filmkritik: „Head of the Family“ (1996)

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HEAD OF THE FAMILY

(THE BRAIN)

Story

 
 
 

Lance und Loretta haben ein Problem. Das Gangsterpärchen bumst hinter dem Rücken von Lorettas Biker-Ehemann gar ehebrecherisch herum. Dieser, Howard heißt er, ist ein deutlich böserer Hund im Gangsterpark und so müssen die beiden genügend Kohle auftreiben, um die Gegend verlassen zu können. Als sie durch Zufall beobachten, wie vorm Haus der Familie Stackpool offenbar ein Kidnapping stattfindet, erwacht in den Kleinkriminellen der Erpresser-Instinkt. Wenn sie sich da aber nicht die Falschen ausgesucht haben. Stackpools kamen nämlich als mutierte Fünflinge zur Welt und gehorchen den Anweisungen ihres Oberhaupts, das aus einem Riesenhirn mit verkümmerten Gliedmaßen besteht; und diese Anweisungen beinhalten übergeschnappte Experimente an menschlichen Versuchskaninchen im Keller.


 
 
 


 
 
 

HEAD OF THE FAMILY – Kritik

 
 
 
Geile Idee, so zwischen Schwarmintelligenz und außerirdischer Unerklärlichkeit. Manipuliert vom Kopf, beziehungsweise Gehirn des Titels, verfügt jedes Familienmitglied über eine distinktive Eigenschaft. Stärke, erotische Anziehungskraft, besondere Wahrnehmungsfähigkeiten. Jeder Faktor tritt nur in einem der Stackpooles auf und dient dem Mutanten-Familienkollektiv zum Anlocken menschlicher Beute. Perverser Dirigent des Irrsinns ist natürlich das Gehirn, Myron.
 
 
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Wie bereits in vergangenen Kritiken festgestellt, erleben wir im Zuge diverser schöner Heimkino-Veröffentlichungen dieser Tage eine neue, positivere Würdigung der Filme von Charles Band. Nicht, dass man in den schrägen Regiewerken des hauptberuflichen Produzenten und Chefs der Full Moon Studios jetzt plötzlich die Handschrift eines verkannten Genies erkennen würde. Dieser Trend zum Filmgeschichte Umschreiben auf der Grundlage persönlicher Befindlichkeiten und Vorlieben ist eine seltsame Erscheinung, wie sie im postmodernen Internet, gerne in Deutschland, praktisch täglich durchs Dorf getrieben wird. Aber nichtsdestoweniger zu verkennen ist: Band verfügt ohne Zweifel über einen wiedererkennbaren Stil, in dem sich selbstbewusste Genrekenntnis und schwarzer Humor zu verrückten Trashperlen verbinden, die man sich ohne Reue ins Regal stellen darf. Furchtlos-geschmackloser Gaga-Horror, wie er einst etwa in New York bei TROMA FILMS leichthändig vom Band lief. Bei ihrem ersten Erscheinen, in der Endzeit des Mediums Videokassette, ist Bands Filmen bloß das Schicksal belächelter Staubfänger vergönnt. Vermutlich waren die Low-Budget Science-Fiction und Horrorfilme des Kaliforniers nicht deutlich genug einer Sparte zuzuordnen, um den Videothekaren aus den Pranken gerissen zu werden wie vergleichbarer Stoff. THE BRAIN, wie der heute vorliegende THE HEAD OF THE FAMILY auf Video hieß, geht es 1996 nicht anders, war die Kassette doch recht schnell auf den Wühltischen heute nicht mehr existierender Kaufhausketten zu finden.
 
 
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Ungerecht, denn der Film, vom Full-Moon-Direktor unter dem Pseudonym Robert Talbot gedreht, ist mal wieder ein Juwel nach Tradition der beliebten GESCHICHTEN AUS DER GRUFT. Also eine gute, altmodische Moralgeschichte, in deren Verlauf sich dumme Kleinkriminelle mit den falschen Angehörigen des gesellschaftlichen Rands angelegt haben. Meist sind die Opfer, wenn man sie so nennen mag, bevor der Spieß mit Schmackes umgedreht wird, in diesen Stories arm, Einwanderer, geistig nicht ganz auf der Höhe oder einfach Freaks. Bei THE HEAD OF THE FAMILY können wir das Häkchen ruhigen Gewissens hinter dieser letzten Option setzen. Das Superhirn und sein degenerierter Clan sind perfekte Außenseiter, vom ebenso hinterhältigen wie tumben Gaunerpärchen zu finanziellen Melkkühen erklärt. Wie bei den Vorbildern aus der Gruft und deren Ahnen, den EC COMICS des späteren MAD-Magazin-Erfinders William Gaines so üblich, wünscht man nach einer gewissen Zeit den von Raffgier getriebenen Protagonisten ein möglichst grausiges und farbenfrohes Ende. Natürlich enttäuscht auch das Riesenhirn die blutrünstigen Impulse des Publikums nicht. Schließlich steckt in den überdimensionalen Windungen der Denkmaschine genug Bosheit für eine ganze Familie.
 
 
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HEAD OF THE FAMILY – Fazit

 
 
 
7 Punkte Final
 
 
 
Weiter geht es mit der Wiederentdeckung der Welt der Full Moon Studios. Neben zahlreichen PUPPETMASTER-Episoden und anderen Trash-Franchises, gibt es da auch noch Verrücktheiten wie THE HEAD OF THE FAMILY. 1996 entstanden, dreht Firmenchef Charles Band eine schwarze Komödie mit Horror-Background, die man sich in dieser Form von TROMA in deren bester Verfassung gewünscht hätte. Früher unter ferner liefen im unteren Regal der Videothek versteckt, braucht der Film heute keinen Vergleich mit neueren, teureren Genre-Produktionen mehr zu scheuen.
 
 
 


 
 
 

HEAD OF THE FAMILY – Zensur

 
 
 
HEAD OF THE FAMILY (deutscher Titel: THE BRAIN) wurde in Deutschland von VPS auf VHS veröffentlicht. Danach folgte eine ungeschnittene DVD von CMV LASERVISION, die keine FSK-Freigabe hatte, sondern nur juristisch geprüft wurde. Der Anbieter WICKED VISION ließ den Streifen im Dezember 2019 neu prüfen und erhielt für die ungeschnittene Fassung eine FSK16. Diese wurde nun erstmalig in Deutschland auf Blu-ray veröffentlicht.
 
 
 


 
 
 

HEAD OF THE FAMILY – Deutsche Blu-ray

 
 
 
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(c) Wicked Vision Media (Scanavo Box)

 
 
 

TECHNISCHE DATEN


Originaltitel: Head of the Family; USA 1996

Genre: Horror, Klassiker, Trash, Komödie

Ton: Deutsch DTS-HD MA 2.0, Englisch DTS-HD MA 2.0

Untertitel: Deutsch, Englisch

Bild: 1,78:1 (1080p)

Laufzeit: ca. 72 Min.

FSK: FSK16 (ungeschnittene Fassung)

Verpackung: Scanavo Box

Extras: Wendecover mit Original-Artwork, Audiokommentar mit Darsteller J. W. Perra, „Bride of the Head”-Promo, Originaltrailer

Veröffentlichung: 06.12.2019

 
 

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HEAD OF THE FAMILY – Trailer

 
 


 
 
 

Christian Ladewig

(Die Rechte aller verwendeten Bilder und fürs Packshot liegen bei Wicked Vision Media)

 
 
 
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The Brain That Wouldn’t Die (1958)
 
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